A vrai dire je pensais… avoir vu ce qu’il y avait de plus barré, de plus nonsense, dans la production animée japonaise… et je suis tombé sur Usavitch.
Et là, j’ai compris mon erreur…

Cette série japonaise aux épisodes très courts, raconte les aventures de deux lapins, Putin et Kirenenko, enfermés dans une prison russe…(d’où le nom de la série: usagi veut dire « lapin » en japonais et « -vich » est un suffixe à consonance russe*) enfin, une prison… les portes sont des personnages, d’étranges « poussins » font partie du décor., il y a même un crapaud plutôt énigmatique… Usavitch repousse les limites du délire complet et de l’absurde… ça dure environ 90 secondes mais c’est du bonheur complet, comme du monthy python sous acide, croisé avec une ménagerie de ferme, le tout dans l’univers de Oz… .

Cette série qui a commencé à être diffusée en 2006 sur la MTV japonaise, compte actuellement trois saisons, est diffusée en France, toujours sur MTV. Son succès est tel que des peluches des deux « héros » sont même en vente ou a gagner dans les salles de jeu au Japon. Cette série est une pépite, à découvrir d’urgence…
Voici donc l’intégrale de la saison 1 en une vidéo… c »est partit pour 20 minutes de délire total

Car elle n’a pas dépassé quelques mois … (comme dans de nombreux cas) malgré l’importance des moyens mis en oeuvre quand on voit ce pilote.
Une série hebdomadaire centrée sur un mode de propulsion nucléaire de haute technologie ferroviaire permettant d’y faire tomber amoureux des gens pendant le voyages (façon loveboat) mais aussi de brandir occasionnellement un peu de suspens avec une catastrophe nucléaire à haute vitesse sur roues. Mais surtout beaucoup, beaucoup de disco!
Il y a même une discothèque dans le train (que vous pouvez voir dans la partie 5 du pilote)

En plus de celle ci; étaient prévues des piscines et des centres commerciaux. Tout comme son contemporain « Love Boat » , la vie « sociale » des passagers avec de multiples histoires entrelacées était le coeur de l’histoire, supertrain étant à la fois le décor et le prétexte… . La plupart des acteurs étaient donc comme d’habitude des guest-stars.

Supertrain a été la série la plus chère jamais diffusée dans les Etats-Unis à l’époque. Alors que la série a été promue de façon intensive durant la saison 1978-1979, elle a souffert de mauvaises critiques et de faibles notes. Malgré les tentatives pour sauver le spectacle en retravaillant le casting, elle n’a jamais décollé et laissé l’air après seulement trois mois. NBC, qui avait produit le spectacle avec l’aide de Dan Curtis , a été incapable de récupérer ses pertes. Combiné avec le boycott américain a l’ été 1980 des Jeux Olympiquesqui coûte des millions de recettes publicitaires de NBC, la série fut près de provoquer la faillite du réseau.

L’épisode pilote « Express Terreur » est sur YouTube depuis peu, découpé en plusieurs parties et permet aux curieux de redécouvrir cette série qui si elle avait connu un succès aussi important que celle de sa série inspiratrice aurait peut être fait évoluer la vision du train aux états unis…

Pour en savoir plus : http://nbc_supertrain.tripod.com/

La chaîne publique australienne SBS va lancer une série B, Danger 5, la première série de nazixploitation (nazi,+ kitsch). Danger 5 met en scène une équipe d’espion cosmopolite à la poursuite d’un Hitler un peu toc, parvenu à ressusciter le national-socialisme en manufacturant des uzis en or, à prendre le contrôle d’une armée de dinosaures grâce à une pierre minérale, et à braquer la Tour Eiffel avec des dirigeables. Rien que ça…

Ce sont les même fous furieux qui avaient imaginé un Spiderman à l’italienne, Dario Russo et David Ashby qui vont nous proposer cette série façon années 60 avec des Dino-nazis, des griffes géantes. Une équipe de super-sauveurs, une internationale des espions et agents spéciaux alliés : Jackson des Etats-Unis, Tucker d’Australie, Ilsa de Russie, Claire de Grande-Bretagne Claire et Pierre de France. Chaque épisode de Danger 5 déjoue les pièges diaboliques de Hitler et voyage à travers une myriade de lieux exotiques autour du globe. Humour d’action et décalé au cours de palpitantes missions qui comprennent la découverte du cirque pervers de l’Antarctique de Josef Mengele, ruiner le casino d’Erwin Rommel… et ça commence le 21 Novembre. C’est totalement cheap, vaguement WTF et probablement culte s’ils arrivent a éviter l’écueil du mauvais goût…

Ancien fan de.. Métal on va dire pour faire large – disons qu’ado ça allait du techno trash (Coroner, mekong delta) au death metal, du rock métal (Iron Maiden, Metallica) à des choses plus mélodiques – j’ai gardé pour ce genre musical, une tendresse particulière…. j’étais donc un terrain fertile pour devenir fan absolu au premier épisode de Metalocalypse (de là on pourrait dire qu’être fan des muppets m’a préparé à devenir fan de fur TV, ce qui n’est pas faux)…

Metalocalypse est une série animée américaine , créée par Brendon Small et Tommy Blacha , qui commença le 6 août 2006 sur la chaine Adult Swim . Le sujet principal de celle ci est la vie au jour le jour du groupe de Death Métal le plus important du monde, Dethklok. Celui ci jouit d’un niveau de popularité sans précédent dans la réalité, se classant comme la septième économie sur Terre d’ici la fin de la deuxième saison. Les membres du groupe de fiction sont Nathan Explosion (chant), Skwisgaar Skwigelf (le guitariste le plus rapide du monde), Pickles (le batteur), William Murderface (basse), et Toki Wartooth (Guitare). Leur manager est Charles Foster Offdensen.

Si Dethklok approuve un produit ou un service, les concurrents sont rapidement acculés à la faillite. Les organisations du monde entier, allant des gouvernements aux entreprises, tentent d’éviter d’entraver Dethklok, a tel point que le groupe est autorisé à maintenir sa propre force de police et ne peut s’en tirer avec n’importe quel crime imaginable (même si les membres du groupe sont trop ignorants pour remarquer qu’ils commettent des actes illégaux).

Les membres de Dethklok ont ​​tendance à provoquer des catastrophes partout où ils voyagent, ils attirent le chaos. Leurs concerts sont si notoirement dangereux que ceux qui assistent sont tenus de signer une décharge à l’entrée, libérant le groupe de la responsabilité légale dans le cas très probable où les participants seraient tués ou mutilés.

La popularité démentielle du groupe et sa capacité de destruction ont attirée l’attention d’un groupe du style Illuminati, connu sous le nom du Tribunal , dédié au suivi des activités et des plans Dethklok. Typiquement, les épisodes impliquent la volonté du Tribunal de maintenir et de perpétuer l’ignorance du public et et un consumérisme. Le Tribunal, dirigé par un mystérieux personnage nommé « Monsieur Selatcia », persuadé que les pouvoirs inhabituels Dethklok sont le résultat d’une ancienne prophétie sumérienne prophétie sur une « apocalypse de Metal « . Le Général Crozier, le chef militaire dans le groupe anti-Dethklok, est omnibulé par son envie de tuer les membres du groupe ou son démantèlement. La plupart des épisodes montrent le Tribunal tentant de déjouer secrètement l’influence possible des actions de Dethklok en faisant appel à différents «spécialistes»… tous plus farfelus les uns que les autres…

Si la série joue souvent sur le registre du sombre et macabre, y compris des sujets comme la violence, la mort et les inconvénients de la célébrité, elle le fait toujours de façon très décalée avec beaucoup avec d’humour noir, c’est à la fois une parodie de tous les clichés sur le death metal et la célébration de la culture heavy metal. La musique est écrite par le guitariste / créateur Brendon Small et est en vedette dans la plupart des épisodes. L’animation est souvent soigneusement synchronisée à la musique, les mots censurés sont remplacés par un riff… Les personnages secondaires sont souvent exceptionnels (Dr Rockso par exemple)… Une série riche en idées.

Si la première saisons reste définitivement la meilleure (la seconde connaissant une baisse de qualité sans être pour autant mauvaise) la troisième reprend le flambeau… L’humour, les références au métal, a la vie rock’n roll, aux theories conspirationnistes et au cinéma d’horreur sont présents tout au long de la série qui reste un moment unique de délire qui plaira aux fans de métal comme de bonne série d’animations.

Autant vous prévenir tout de suite, Gumball a trouvé en moi un fan absolu… est ce le côté foutraque, cinglé, enfantin, ultra créatif, décalé, ou le mélange des techniques d’animation qui m’a convaincu, je ne sais pas… mais je trouve cette série à la fois totalement loufoque et profondément géniale ne serait ce que par la performance technique qu’elle sous entend.
Mélange de dessin animé, de prises de vues réelles, de découpe, d’animation image par image, de 3D… Cartoon Network a eu du nez en programmant cette série qui en plus est l’oeuvre d’un français : Ben Bocquelet., The Amazing World of Gumball, un 40×11 qui a été produit avec l’aide du Studio Soi, de Dandelion Studios Ltd, et de Boulder Media Ltd. Et qui, très bonne nouvelle va avoir une deuxième saison.

Un petit trailer donc

Où se trouve la ville de Twin Peaks, à la fois à l’origine du titre et décor de l’une des séries culte des années 90 ?

C’est une question à la fois étrange (la ville n’existe que dans la série) et fondatrice dans le domaine de la série télévisée… car le lieu devient presque aussi important que les personnages, importance du lieu que l’on retrouvera plus tard dans lost… et déjà différente du village du Prisonnier qui agit plus comme un cadre que comme l’une des sources

Climat pluvieux, bois abondant, et obsession de la religion, on situe celle ci dans  l’État de Washington, autour des villes de North Bend Snoqualmie et pour être précis. Le profil dentelé du mont Si ayant même suggéré le double sommet qui a fourni à la ville et à la série son nom. Pour rajouter un peu plus de précision à celle ci, citons l’agent Dale Cooper :

« Diane, 11h30, Février 24. Saisie de la ville de Twin Peaks. Five miles au sud de la frontière canadienne, douze miles à l’ouest de la ligne d’état. »

David Lynch a volontairement entretenue la confusion sur l’emplacement réel de cette ville en situant sa ville à plus de 150 miles à l’est de l’emplacement réel du tournage.

En fin de compte,  la localisation exacte de la série est accessoire, même obstructive à son récit. L’idée est d’en faire une ville « type » comme il peut en exister partout, une position moyenne assez pour signifier: Cela peut arriver n’importe où… Cette « confusion » volontaire est sa marque de fabrique, son œuvre cinématographique est une question d’équilibre entre les ténèbres et la lumière, allant du surréalisme troublant de Eraserhead à la déchirante et quotidienne réalité de « The Straight Story ». Lorsque les deux se croisent, réalisme et surréalisme ça donne Twin Peaks, un lieu où se concentrent des tensions multiples, une frontière tenue entre le monde réél et celui des « autres », de Bob, le rideau rouge…

La double toponymie de Twin Peaks n’est pas innocente, à la fois une ville très américaine (avec toutes les valeurs familiales et sa tarte aux cerises maison…) et le terrains de chasse d’un entité sans nom, plus vieille que la ville. Cette duplicité on la retrouve dans cette carte de Lynch déssina pour les cadres de ABC sur le point de voir l’épisode pilote de la série. Au lieu d’une variété de verts, bruns et bleus utilisés dans la plupart des cartes topographiques, Lynch a opté pour une gamme étroite de gris sinistre, de noir pour les routes et les lacs, et de blanc pour les sommets enneigés… Twin Peaks est à l’image de cette carte, un lieu gris, un lieu « entre deux »…

Cette carte fut un outil essentiel pour l’écriture de la série, comme il le dit lui même: «Nous savions où tout était et [la carte] nous a permis de décider l’athmosphère de chaque lieu avait, et ce qui pourrait arriver, ensuite seulement les personnages seulement se sont présentés à. nous et est on est entrés dans l’histoire.  »

La géographie de Twin Peaks est finalement comme tout dans cette série… bien plus qu’il n’y parait.

En 1969, Anderson a commencée la production d’une nouvelle série télévisée, UFO, pour lui comme pour Century 21; la première série complète de télévision live (avec des acteurs rééls). on y retrouve l’acteur George Victor « Edward » , qui avait été la voix du capitaine Blue dans Captain Scarlet & The Mysterons, en tant que commandant Edward Straker, chef d’une organisation de défense secrète mis en place pour contre une invasion extraterrestre.

UFO  fut nettement plus adulte dans ses scénarios et ses thématiques que les précédentes séries. Si la première saison connait un succès modéré, elle va devenir culte les années suivantes sans atteindre la reconnaissance des thunderbirds… UFO est très marquée à la fois dans les décors kitsch et les coiffures colorées, les habits et les comportements parfois par le swinging london de la fin des années 60, associés à une tonalité plus « pessimiste » dans la série. Ce mélange rend la série particulièrement originale, les histoires sont fortes, les acteurs ont de vrais « gueules » et si elle sera moins connue (probablement parce que beaucoup plus rarement diffusée que « Space 1999″) cette série à une personnalité très forte. Qui a eu l’occasion de voir UFO n’oublie pas de sitôt celle ci…

Anderson est un temps approché pour travailler sur un James Bond, mais cela tourne à l’imbroglio et l’histoire finira aux tribunaux plutôt qu’à l’écran (même s’il attaqua les producteurs de « moonraker » en justice). Anderson travaille ensuite sur une nouvelle série « The Protectors action ITC » qui n’est pas son idée, avec Robert Vaughn et Nyree Dawn Porter. La production sera difficile pour Anderson du fait des personnalités fortes des acteurs ainsi que de nombreux problèmes logistiques eu égard à l’échelle de tournage… Malgré le relatif succès de celle ci, les projets suivants d’Anderson sont refusés… et la tentative de donner une suite à UFO va donner naissance à la série télévisée la plus chère jamais réalisée à l’époque Space: 1999 connue en France sous le nom de Cosmos 1999…

Parmi les séries de science-fiction, Cosmos 1999 est l’une des plus célèbre. L’histoire se base sur l’idée selon laquelle une explosion thermonucléaire énorme sur la surface de la Lune (causé par le stockage de déchets nucléaires), a fait quitter à la Lune son orbite et l’a projetée dans l’espace interstellaire. Dans l’incapacité de regagner la Terre, les 311 survivants commandés par le charismatique commandant Koenig, errent sur l’astre dans le cosmos et affrontent toutes sortes de dangers…

Les acteurs Martin Landau et Barbara Bain, qui avaient acquis une renommée internationale dans Mission: Impossible sont les deux personnages phares. Une deuxième saison commence en 1976 avec pour producteur l’américain Fred Freiberger qui remplace la deuxième femme d’Anderson… L’histoire veut que la troisième saison ne vit pas le jour avant 1979 eu égard aux projets de long métrage de l’un des producteurs et rendit impossible le tournage d’une troisième saison, marquant la fin de la collaboration des producteurs avec Anderson

Alors que la fin des années 70 est la période la plus sombre pour lui, personnellement et financièrement,  c’est avec une dernière série de marionnettes mélange d’UFO et de Captain Scarlet Terrahawks (1983 à 1986) qu’il va retrouver du travail. Entre ceux qui vouent un culte à cette série et ceux qui considèrent celle ci comme une mauvaise resucée des thunderbirds… peu de gens s’en souviennent aujourd’hui. Pourtant les marionettes d’Anderson sont un souvenir culte pour une génération et c’est le groupe Dire Straits qui va faire appel à lui pour leur clip « Calling Elvis » qui témoigne de ce retour en grâce et lui offre un nouveau public.

La rediffusion des thunderbirds, la sortie de ses séries en VHS lui apportent de nouveaux fans sans qu’Anderon revienne à la réalisation. C’est une autre génération encore, celle de Matt Stone et Trey Parker, qui avec  Team America: World Police, rendent un hommage politiquement incorrect aux effets de style Supermarionation.

New Captain Scarlet finalement qui sera la série pour enfants la plus chère jamais réalisé au Royaume-Uni ne marchera pas non plus la faute notamment à une mauvais programmation de la part d’ITV qui coupe les épisodes par une pub, même si sa sortie en DVD connaitra un succès public…La seule réelle « nouveauté » d’Anderson sera l’annonce le 11 Janvier 2011, lors d’une interview de BBC News de promouvoir le «Génie de Gerry Anderson » au travers de timbres de la Royal Mail. Les rumeurs de suites, reprise des thunderbirds sont pour l’instant restées sans suite.

Malgré des échecs et des succès retentissants, Gerry Anderson reste un nom peu connu, ses créations sont elles bien plus célèbres et ont inspirée trois générations… Si nous sommes aujourd’hui submergés de séries américaines (pour le meilleur comme pour le pire), les anglais produisirent dans les les années 50-70 des séries inoubliables, comme Chapeau Melon ou celles de Gerry Anderson
Pas mal pour des séries télévisées non?

Parmi les réalisateurs de série télévisée, Gerry Anderson est celui qui s’est rendu célèbre pour ses créations futuristes, souvent avec des marionnettes,utilisant un processus appelé «Supermarionation ». C’est surtout le plus prolifique créateur de séries de SF, notamment à base de marionnettes qui l’ont rendu mondialement célèbre. Il est tout simplement l’un des plus grands créateurs de séries télévisées de l’histoire de ce média… et pourtant relativement méconnu aujourd’hui.

Né à le 14 avril 1929, à Londres, il passe les premières années de sa vie à Kilburn, et Neasden au nord de la capitale. Il commence une carrière dans la photographie et après la guerre obtient un stage au British Colonial Film. Service militaire pluie free-lance sur plusieurs long métrages, il développe son expérience. Il faut attendre les années 50 pour qu’Anderson a rejoigne une société de production indépendante de télévision : Polytechnique Studios, en tant que directeur, et rencontre le caméraman Arthur Provis avec qui en compagnie de, Reg Hill et John Read va créer Pentagon Films en 1957. Peu de temps après Pentagon sombre et Anderson et Provis formé une nouvelle société, AP Films.

C’est avec cette société qu’il va commencer les séries à base de marionnettes : Les aventures de Twizzle (1957-1958)une série pour les jeunes enfants sur une poupée avec des jambes qui s’allonge et des bras ultra mobiles. C’est le début
de sa longue et fructueuse collaboration avec le marionnettiste Christine Glanville, le technicien d’effets spéciaux Derek Meddings et compositeur / arrangeur Barry Gray.

A la suite des Aventures de Twizzle, Anderson développe « Torchy Boy batterie » (1958-1959). Malgré le succès que lui ont toujours apportées ses « séries de marionnettes » Anderson a toujours souhaité faire du cinéma plus classique. Sa série suivante Four Feather Falls (1959-1960) est encore une fois une série de marionnettes. Malgré le succès de cette série, aucune suite n’est commandée, et Anderson échoue par ailleurs sur le grand écran

Ce sera donc encore une série Supercar, (1960-1961) est aussi la première utilisation officielle de Supermarionation, le système électronique qui rend les marionnettes plus vivantes et plus convaincantes à l’écran. Le système utilise le signal audio à partir des bandes pré-enregistrées de la voix des acteurs pour déclencher solénoïdes installés dans des têtes de marionnettes, permettant une synchronisation exacte avec les voix des acteurs.

L’une des initiatives les plus réussies d’Anderson fut au cours de la production de Supercar, la création d’AP Films (Merchandising) Ltd, une société distincte mis en place pour gérer les licences des droits de merchandising lui permettant de gérer les licences dune vaste gamme de jouets, livres, magazines et articles connexes. Le succès des séries garantissant le succès des jouets qui se vendaient eux aussi très bien.

Vient ensuite « Space Adventure Fireball XL5″ (1962) et c’était le plus grand succès de l’entreprise encore, devenant ainsi la première série Anderson vendue à une chaîne de télévision américaine (NBC).

Four Feathers Falls

Supercar

Fireball rocket XL5

Peu de temps après son rachat, l’APF commence la production d’une série nouvelle marionnette, Stingray (1964), la première a être filmée en couleur, dans de nouvelles installations leur permettant d’apporter des améliorations majeures aux effets spéciaux, notamment dans les séquences sous-marines, ainsi que les progrès dans l’animation de la marionnette, avec l’utilisation d’une variété de têtes interchangeables pour chaque caractère afin de proposer des expressions différentes.

Stingray

Le projet suivant fut inspiré par une catastrophe minière en Allemagne de l’Ouest en Octobre 1963. Ce drame inspira a Anderson la création d’un nouveau « programme » sur une organisation de secours, qui reste sa série la plus célèbre et populaire : Thunderbirds (1964-1966).

Alors que la production sur Thunderbirds était en cours depuis plusieurs mois, la version finale du pilote de 25 minutes « Trapped in the Sky» excita tant la production que le format des épisodes passa à 50 minutes avec un budget et une production restructurés pour supporter la masse de travail. L’APF fut rebaptisée alors Century 21 Productions.
L’incroyable succès des « Thunderbirds » apporte à Anderson une renommée mondiale. Cette série de 32 épisodes ne démarre pourtant pas bien aux Etats Unis qui n’en diffusent qu’une version tronquée…. mais le succès auprès du jeune public au Royaume-Uni, en Australie et dans d’autres pays et reste aujourd’hui un succès majeur. Thunderbirds reste aujourd’hui encore un souvenir fort pour les millions de fans de cette série à la fois par la multiplicité des vaisseaux, les personnages sans oublier la musique…

Alors que Thunderbird fait exploser le couple d’Anderson, la production avait commencée une nouvelle série, Capitain Scarlet (1967), avec l’avènement de plusieurs personnages de marionnettes réalistes qui, grâce à des améliorations dans l’électronique qui ont permis la miniaturisation des mécanismes de lip-sync, celles ci pouvaient désormais être construites à des tailles de proportions humaines.

Les personnages deviennent plus « réalistes », s’éloignant progressivement au fur à mesure des séries des visages caricaturaux des débuts.

Captain Scarlet

Parallèlement à la production de cette série, Century 21 produit déjà un deuxième long métrage, Thunderbird 6 qui est malheureusement un échec encore plus grand que le premier, aggravant les problèmes posés par leur avant dernière série : « Joe 90″ (1968). Cette série plus orientée vers un public jeune et raconte les aventures d’un jeune garçon qui est aussi un agent secret et dont le père scientifique utilise un superordinateur appelé ‘Big Rat »qui peut« programmer »Joe avec des connaissances et des aptitudes spéciales pour ses missions. Le succès n’est pas au rendez vous…

Avant que le dernier projet d’Anderson Supermarionation ne soit produit, il se lance au travers de Century 21 sur un projet de long métrage, son troisième. Doppelgänger (1969) est un film de science-fiction qui conte l’histoire d’un astronaute qui se déplace vers une planète nouvellement découverte à l’exact opposé de la terre par rapport au soleil, et qui s’avère être une copie conforme. Malgré la présence de l’acteur américain Roy Thinnes, célèbre à l’époque pour son rôle dans la série « Les Envahisseurs », le film n’est pas un grand succès commercial quand bien même il sera reconnu pour la qualité de ses effets spéciaux.

La dernière série de marionnettes de Century 21 fut « Secret Service », qui, était un mélange de prise de vues réelles et de Supermarionation. La série était inspirée par le style du comédien Stanley Unwin, connu pour son langage plein de non-sens, «Unwinese», qu’il a créé et utilisé à la radio. Malgré l’expérience reconnue d’Anderson et la popularité d’Unwin, la série fut annulée avant sa première projection et seuls 13épisodes furent produits. Désormais Gerry Anderson allait passer à un autre genre de séries, finies les marionnettes…

Archer est une série animée américaine de la chaine FX, diffusée en VO (pas de VF, peu de sous titres pour l’instant) qui en est à sa deuxième saisons déjà.

Le générique pose immédiatement les bases visuelles de la série et la références aux années 70, mais aussi aux films d’espionnage. Croisement improbable de James Bond et de Gaston Lagaffe…. et Gérard de Villiers pour le côté cul, Archer est un ovni, une série d’animation qui détourne les codes des films d’espionnage, au travers des aventures de son improbable héros et de son agence, l’ISIS.

Sterling Archer donc, est un espion au service d l’agence internationale ISIS, dirigé par une main de fer par sa propre mère, qui oscille entre ignorance et népotisme. Le reste de l’équipe se composant d’une secrétaire nympho/bécassine Carol – de son vrai nom Cheryl , d’une ex (et émule de Pam Grier) Lana, ou encore d’un employé maladroit : Cyril.Avec cette série Adam Reed reprend des clichés pour mieux les dynamiter, apportant à un genre qu’on aurait pu croire éculé, une fraicheur et un humour ravageurs. Le personnage à la répartie permanente et pas toujours futée doit en permanence naviguer entre sa mère, son ex et des personnages secondaires qui vont du majordome traité comme un esclave, à des prosituées, des agents énnemis… bref, l’occasion de  dialogues crus et de blagues sexuelles un peu poussées…

Pourtant pas de vulgarité dans la série qui sait être à la fois politiquement incorrecte, malicieuse et drôle, à l’image d’un personnage qui aurait eue toutes les chances d’être juste une mauvaise copie des films dont elle s’inspire mais qui s’émancipe pour trouver un ton qui lui est propre…

Parce que son existence elle même est improbable, très peu d’entre nous ont entendu parler… du spiderman japonais aka Supaidāman. Cette série télévisée japonaise live fut produite par Toei Company, vaguement basée sur le personnage de Marvel, Spider-Man. 41 épisodes entre le 17 mai 1978 et le 14 Mars 1979. Depuis 2009, ces épisodes sont disponibles sous titrés en anglais sur le site de Marvel.

La série put exister suite à un accord de licence de trois ans avec Marvel. Si à l’origine, Spiderman ne devait être qu’un personnage secondaire d’une série télévisée mettant en vedette défait une version romancée de Yamato Takeru, Toei décida d’inverser la proposition et de de faire du personnage de Yamato Takeru, Garia, un étranger qui donne a Spider-Man ses pouvoirs. Conséquence, l’histoire dévie totalement de celle d’origine imaginée par Stan Lee.

Si dans la version Toei le personnage portait le même costume que son homologue Marvel, l’intrigue et l’origine des pouvoirs du tisseur sont totalement différents… En effet outre ses pouvoir, il dispose d’un robot géant connu sous le nom Léopolnor, qu’il allait convoquer pour lever les versions agrandies de monstres de la série. On est au pays du sentaï et des méchas, il fallait donc qu’il y aie un robot. C’est Katsushi Murakami (designer de jouets à l’époque), qui arguant de la difficulté de commercialiser Spider-Man au public japonais, reçu l’autorisation du producteur Yoshinori Watanabe de prendre toutes les libertés jugées nécessaire. Murakami eu donc l’idée de donner a Spider-Man une origine extraterrestre, ainsi qu’un vaisseau spatial en forme d’araignée qui pourrait se transformer en un robot géant.

L’histoire du tisseur nippon est la suivante : Takuya Yamashiro, un jeune motard, voit un OVNI s’écraser, en fait un navire de guerre l’espace nommé « Marveller » de la planète « Spider ». Takuya est le père du Dr Hiroshi Yamashiro, un archéologue de l’espace, qui enquête sur l’affaire mais il est tué lors de la chute du vaisseau spatial. L’incident attire également l’attention de Pr. Monster et de son Armée de la Croix de Fer, un groupe qui envisage de gouverner l’univers.

Takuya suit son père à la Marveller et découvre le dernier survivant de Spider, qui lui donne un bracelet qui lui donne des pouvoirs spéciaux d’araignée et mais aussi la capacité de contrôler le navire et le transformer en un robot géant pour la bataille. Grâce à ses pouvoirs, il combat l’armée du Pr. Monster et d’autres menaces pour la Terre sous le nom de Spider-Man.

Dans l’épisode 7, Spider-Man devient même une chanson à succès : le « Spider-Man Boogie ».
Lorsque Spider-Man fait face à l’ennemi (dans chaque épisode donc) il prend une pose dramatique (une tradition Sentai), par ailleurs il utilise rarement son câble d’araignée et préfère comme mode de transport sa voiture appelée Spider Machine GP-7, mais il dispose aussi d’un avion appelé le Marveller. Autre différence avec l’original, il conserve son costume stocké à l’intérieur de son Spider Bracelet… qui lui sert quand même à balancer ses toiles aussi.

Vous pouvez retrouver tous les épisodes de cette série chez Marvel, voici le premier..

L’histoire de Bill Georges est à la fois incroyable et typiquement américaine :. il découvre la SF à l’école en feuilletant un guide des vaisseaux de Star Trek et ce tournant marque à jamais sa vie puis qu’il a dédiée sa vie à l’exploration spatiale sous la forme de maquettes et de sculptures. Cette passion l’amène à travailler sur le tournage du premier film de Star Trek, en 1979, en tant qu’assistant de production sur les maquettes du film. Puis en 1981, il est embauché par ILM, la boîte d’effets spéciaux de Georges Lucas. Les films s’enchainent et se suivent et en parallèle de cette carrière il récupére les vieux vasseaux ayant servi sur des tournages de films et de série comme les premiers Battlestar Galactica, ou 2001, l’Odyssée de l’Espace. Les ayant rafistolés il leur donne une deuxième jeunesse via son SCI-FI Air Show, où il expose ces chefs d’oeuvre au public.

Des démonstrations de vol ont même lieu sous les yeux ébahis des spectateurs… Décollages de Vypers rescapés de BSG, ou d’aigles de Cosmos 1999… Un show qui fait le bonheur des fans de SF… pour en savoir plus le site du SCI-FI Airshow complètera ces quelques images

Et quelques photomontages…

Parmi les idées les plus farfelues en voici une : qui a jamais imaginé que sa série ou son film préféré des 10 dernières années aie pu être un jeu sur amstrad ou commodore 64?
Visiblement cette idée à traversée l’esprit d’un graphiste qui a décliné façon « boites de vieux jeux vidéo » les séries ou films à succès, avec un résultat plutôt réussit.

Ultraman est une série japonaise mythique du genre dit Tokusatsu (Effets spéciaux), c’est surtout la série qui a lancée la mode du super héros masqué. Véritable phénomène culturel japonais, omniprésent dans l’imaginaire nippon, à ne pas confonfre avec ses enfants « batards », les Sentai, sous-genre du Tokusatsu qui ne concerne que les groupes de supers héros du type Bioman ou X-or.

Le premier épisode d’Ultraman fut diffusé le 17 Juillet 1966 et raconte l’histoire des cinq membres japonais de la Patrouille Scientifique mondiale, une organisation chargée d’étudier et de lutter contre les aliens et monstres qui ravagent la Terre. Au cours d’une mission, le héros, Hayata, rencontre un extraterrestre du nom d’Ultraman. Celui-ci lui donne une sorte de baguette magique, la Beta Capsule, qui permet à Hayata d’échanger sa place avec le géant Ultraman lorsque les monstres et aliens attaquent le Japon.

Des versions animées suivirent, des illustrations dans les magazines pour la jeunesse aussi, ultraman reste mythique au Japon

Voici une série d’illustrations de Toshio Okazaki

Mais aussi le premier épisode (sur 39) de la série initiale

Ultraman – 1er Épisode 1966 1/3

Il y a même eu un film, en 2009... (pas vu, mais je vais me mettre en quête de cette ovni)

Danny Yount est ce qu’on appelle un motion designer, c’est à dire qu’il apporte une touche graphique à de la vidéo, en l’occurrence ici aux génériques et bandes annonces de séries puis de films. Et son parcours est impressionnant, de Six Feet Under pour lequel il a gagné un Emmy Awards, à pushing daisies, ou the invasion ainsi qu’à Iron Man pour le cinéma.

Ce showreel donne à voir un aperçu de son éblouissant talent.

Découvrez en plus sur son site : http://www.dannyyount.com/

AMC, chaine du cable US qui nous avait déjà offert mad men, vient de finir de diffuser la première saison d’une excellente série : Rubicon.

Un homme, visiblement un riche homme d’affaire découvre un matin un trèfle à quatre feuilles glissé dans son journal. Il se lève, se retire dans son bureau et se loge une balle dans la tête. Sa femme est dans le parc devant la maison et joue à cache-cache avec des enfants. Le premier mot de la série est thirteen (13) mot que cette femme était en train de compter avant de poursuivre ses enfants. 13, comme 13 épisodes, comme 13 le chiffre qui va tout démarrer…. Will Travers est un analyste qui travaille pour une étrange administration, l’API (qui conseille tout ce qui se fait en terme de communauté du renseignement) et qui a perdu sa femme et sa fille dans les attentats contre le World Trade Center le 11 Septembre 2001. Il aurait dû être avec elles, mais ce matin là.. il était en retard.  Entre ces deux hommes, va progressivement se nouer une histoire faite de paranoïa, de secrets. Sans le savoir et à cause d’une autre mort en relation avec cette première, Will Travers va plonger dans l’enfer d’une conspiration tentaculaire.

Si le premier épisode nous rappelle les 3 jours du condor, ce qui avouons le est un beau compliment, la suite de l’histoire montrera que cette série possède une vraie personnalité, tant visuelle que scénariste. Ambiance pesante, rythme lent, personnages fouillés et complexes, cette série à d’emblée une dimension cinématographique. Autant l’idée d’une conspiration semble t elle aujourd’hui un peu usée, autant et notamment grâce à la crédibilité du personnage principal et de la qualité d’écriture, celle ci prend une vrai dimension.

Parler de réalisme pour parler d’un travail d’analyste dans le renseignement est il rébarbatif ?
Non, ici, au travers des implications humaines et des choix cornéliens que des personnages doivent faire quand à une attaque ciblée par missile dans une zone civile, c’est l’humanité et un côté presque tragique qui ressortent de ce questionnement. Ici pas de grosse machineries technologiques, les armes les plus affutées et les plus puissantes sont l’esprit des personnages. Et au travers de l’enquête de Will et du travail des analystes de son équipe, c’est une vision du monde très post 11 septembre qui ressort, pessimiste, réaliste, politique. Et le jeu de son acteur principal tout autant que le soin porté aux personnages donnent à cette série une intrigue digne des meilleurs films d’espionnage seventies, avec un esprit et une image volontairement terne, sombre et une musique lancinante, une personnalité forte, ce qui pour une série aujourd’hui n’est pas une évidence.

AMC nous avait déjà offert des visions décalées des années 60 (Mad Men), de la vie de banlieue (Breaking Bad), elle nous offre ici une nouvelle facette de ses talents : Rubicon, une série sur le pouvoir, et comment le Rubicon fut franchit.

Après des séries toutes plus ancrées dans la SF ou le fantastique, Black Lagoon se trouve beaucoup plus proche du polar, du film noir. Ici, la noirceur prédomine, mais elle est profondément humaine, fondamentalement au coeur des perversions du l’âme et cynique. Black Lagoon, est une série sombre, triste, pessimiste et à cet égard se trouve elle aussi relativement à part dans la production générale d’animés japonais. D’abord publiée en tant que manga, c’est au travers de l’adaptation en animé que j’ai découvert Black Lagoon.

Rokuro Okajima, jeune salaryman d’une grande entreprise, doit voyager sur les mers d’Asie du Sud-Est pour livrer un disque contenant des données secrètes et capitales sur la société pour laquelle il travaille. Malheureusement, son bateau se fait attaquer par une bande de pirates free-lance voulant récupérer son bien et lui-même sera pris en otage sur leur bateau, le Black Lagoon, un vieux torpilleur. Pensant que sa compagnie va tout mettre en œuvre pour le secourir, il ne s’inquiète pas outre mesure. Ce qu’il ignore, c’est que ses supérieurs ont engagé des mercenaires pour le faire taire et détruire toutes les preuves de l’existence du disque…Si tout ne se passe pas si mal pour lui dans cette première aventure puisqu’il y survit, sa vision du monde commence déjà à en être changée… Et vu qu’au Japon tout le monde le croit mort, il décide de rester avec la compagnie de mercenaires Black Lagoon  dans la  ville fictive thaïlandaise de Roanapur (Roanapura) et sur les mers du sud-est asiatique.

Graphiquement, l’animation est très bonne, les personnages ont des traits réalistes, les combats sont fluides et les armes bien étudiées.. Cette univers criminel, sans foi ni loi, ni espoir dans lequel évolue « Rock », le personnage principal permet de découvrir les autres personnages récurrents, aux passés pas souvent reluisants, souvent tragiques, on a le sentiment que l’endroit ou règne une tension permanente entre les différentes mafias ou gang est le dernière arrêt avant l’enfer. Au milieu donc, de cette perdition, le personnage de Rock essaie de garder sa personnalité, une forme de normalité et de sensibilité qui paraissent complètement décalé dans ce monde. Étrangement cette « anormalité » va devenir un atout pour son équipe, mais aussi nous permettre de rentrer dans l’histoire et de ressentir plus fortement combien son « innocence » fait de cette animé une tragédie.

Les autres personnages ne sont pas en reste, entre la bombe/tête btulée Levi two hands (parce qu’elle utilise deux revolver), le spécialiste de la communication Benny  et le boss Dutch, ancien militaire. Mention spéciale aux personnages secondaires qu’ils interviennent fréquement (hôtel moscou) ou a l’occasion d’un unique épisode (les jumeaux) qui à l’occasion d’un épisode, d’un arc narratif ou bien tout au long de la série apportent une personnalité supplémentaire à la série.

Si l’univers de ces deux séries ne se ressemble en rien (même si elles peuvent toutes les deux être considérées comme « cultes » de part leur originalité et leur « personnalité » vraiment à part, elles jouent toutes les deux sur quelques ressorts communs : le décalage « social » (l’autisme / incapacité à communiquer) des personnages et le fantastique angoissant qui envahit progressivement le quotidien jusqu’à ce qu’on aie l’impression d’avoir basculé dans un autre univers (ce qui est partiellement vrai dans le cas de Lain).

Paranoia Agent (du regretté Satoshi Kon) prend « pretexte » de l’agression par un mystérieux personnage, armé d’une batte de base-ball et de rollers : Shônen Bat (littéralement : le gamin à la batte) de différents personnages chacun étant dans un situation de détresse sociale ou psychologique particulière, de Tsukiko Sagi créatrice dans une grande entreprise qui a connu le succès grâce à une de ses peluches, Maro-mi (la première victime) à toute une galerie de personnages, enfants, journalistes pourris, prostituée la nuit, secrétaire le jour… Prétexte aussi pour explorer l’angoisse, la perte de repères, la pédophilie, la schizophrénie…

Tout gravite autour de cette énigme, pourquoi ces personnes sont elles attaquées par ce gamin, pourquoi cette agression semble libérer l’agressé de son angoisse, et même si chaque épisode de Paranoia Agent est indépendant des autres ils sont reliés par l’enquête de deux agents de police. Est ce la rumeur sociale qui génère le shonen bat, ou bien existe t il vraiment?

Tel un puzzle, chaque pièce même si elle est indépendante croise une autre, personnage, situation, et un tableau se complète petit à petit. Vous l’aurez compris, scénaristiquement c’est brillant, angoissant, grandiloquent… visuellement l’animation est au niveau de celle d’un film, autant vous dire que c’est là une oeuvre incontournable…

Plus ancien, mais tout aussi barré, il y a Lain.
Lain Iwakura est une jeune adolescente solitaire, mal dans sa peau et suite à la mort d’une de ses camarades de classe, elle se découvre une passion pour le Wired sorte d’évolution d’Internet. Un email, envoyé par cette dernière après sa mort explique que seul son corps a cessé de vivre et qu’elle-même vit à présent dans le Wired. Lain va donc s’immerger dans ce monde d’interconnexions électroniques, et…s’y perdre.

L’univers de Lain est à la fois contem­po­rain et fu­tu­riste, surtout de part le « wired » qui semble « envahir le rééel (l’étrangeté des hallucinations (?) ou des effets visuels que l’héroine subit. Est ce une forme de folie qui hante le personnage, ou bien existe t il « plusieurs Lain », une dans le réél, l’autre « empreinte de la première » dans le wired. L’univers est complexe, et toutes les réponses ne sont pas données à l’issue de la série, mais Lain a un charme particulier et vénéneux qui nait de cette atmosphère.

Vous l’aurez compris, ces deux animés ont des identités fortes, uniques, deux univers angoissants mais brillants aux limite du fantastique et du philosophique.

Après le bruit et la fureur des animés de SF, et avant… les autres séries qui ne seront pas beaucoup plus calmes… Il fallait parler de cet ovni, de la lenteur méditative, contemplative, mystique, de Mushishi.

Rarement aura t on évoqué avec autant de douceur, de finesse la nature, la célébrant dans sa beauté, la craignant quand elle se fait implacable. Le dessin fait penser au lavis ou bien encore aux peintures chinoises, dans la douceur et le côté un peu « passé » des teintes parfois. Mushishi, c’est avant tout une atmosphère, un feeling doux amer car si les histoires sont belles, elles sont souvent cruelles. Folklore ou mysticisme, l’univers de Mushishi repose sur quelques concepts simples :  Les Mushi sont des être primaires, si « primals » qu »il sont des expressions encore plus simples que les insectes, plantes, ou bactéries ; ils sont indissociables de « la vie », à la frontière entre la vie et la mort. Ces formes de vie dont l’existence est incertaine car seules quelques personnes sont capables de les voir, sont à la base de l’existence des formes de vies plus évoluées.

Ce mysticisme notamment le caractère « presque irréel » des mushi qui févoque immanquablement les « Kamis », entités surnaturelles, mystérieuses mais néanmoins présentes, disons même omniprésentes dans le shintoïsme dont la variété est « équivalente » de la graine à un serpent géant en passant pas une plante, un insecte, ou même incarnant un domaine plus « abstrait » comme l‘obscurité.

Pour le commun des mortels, ce sont des chimères, des fantomes guère plus qu’une rumeur venue des temps anciens, dont les principes enseignés pour cohabiter avec eux auraient été oubliés. Ils existent pourtant depuis toujours, immuables, avec tous les problèmes que les hommes peuvent rencontrer à leur contact prolongé. Rares sont ceux qui peuvent les voir et les étudier, ce sont les Mushishi dont fait partie Ginko, le héros, qui parcourent le pays en ermite afin d’approfondir leurs connaissances des Mushi, mais également à soulager les maux provoqués par certains cas d’interférences entre les hommes et ces êtres primaires.

Cette base posée on comprend très vite combien cette série est profondément naturaliste, pas d’action ou de grandes batailles ici, tout se joue à un niveau à peine perceptible et la lenteur fait partie du processus. La campagne et la montagne d’un Japon du XIXe siècle  un peu hors du temps encore,  les mushi, tous  donnent une dimension écologique à cet animé qui évoque le respect de la nature. Au travers des rencontres de Ginko avec ce bestiaire fabuleux (on ne peut s’empêcher de penser aux petites créatures de la forêt (sylvains) de Princesse Mononoké, au moins dans l’esprit) c’est une philosophie de vie, méditative certes mais pas immobile, c’est une histoire comme on en rêve enfant qui s’écrit. Et en cela nait une magie.

Si pour vous l’animation japonaise en série s’est arrêtée à Goldorak, ken le survivant ou ou Candy, cette série d’articles devrait vous permettre de découvrir que ces dernières années, l’animation japonaise à su nous livrer quelques perles, chacune avec une personnalité forte, un graphisme et un univers qui lui sont propre, et surtout qui ont su se révéler passionnants. Nous allons commencer aujourd’hui par ce qui est pour moi trois véritables monuments, tant en terme de qualité (visuelle et scénaristique) que d’originalité. Ces trois séries ont, d’une certaine façon réinventés les genres pour les placer à un autre niveau.

Chronologiquement ce sera Evangelion qui ouvrira le bal dés 1995. Evangelion est un monument à bien des égards : Haute qualité de l’animation, profondeur et complexité du scénario et des personnages, thématiques et « relecture » très personnelle de la génèse en un sens, l’animé ne s’appelle pas Neon Genesis Evangelion pour rien.

En 2000, une explosion titanesque se produit en Antarctique, provoquant un cataclysme (raz-de-marées, fonte des calottes polaires) et dévastant une grande partie de la planète.officiellement cette catastrophe est due à la chute d’un astéroïde. Quinze ans après cet événement, appelé le Second Impact, de mystérieuses créatures nommées Anges font leur apparition, et tentent de détruire Tokyo-3, la nouvelle capitale-forteresse du Japon, construite après le Second Impact par une organisation secrète, la NERV qui a mis au point une arme ultime, l’« Evangelion » ou « Eva », robot géant anthropoïde qui s’il est « piloté » semble aussi doter d’une vie (et d’une sauvagerie) propre. Shinji Ikari se rend à Tokyo-3 pour retrouver son père, qu’il n’a pas revu la mort de sa mère survenue 11 ans auparavant. Il ne se doute pas encore du rôle que son père a imaginé pour lui, de la violence et de l’horreur du combat des « Eva » contre les Anges… De son rôle tout simplement dans un conflit qui pourrait bien signifier la fin de l’humanité. Violence spectaculaire mais aussi psychologique, ampleur visionnaire, ré interprétation des notions chrétiennes, Evangelion n’est pas un animé mythique pour rien. La folie qui guette les personnages, la tristesse ou la violence paroxystique de leurs émotions, l’importance de la mystique… ce  n’est définitivement pas un animé pour les enfants… Certes l’animation date de 1995 (même si depuis une nouvelle version de l’histoire avec une animation plus actuelle ressort au cinéma) mais le design des eva, comme des anges, de Tokyo-3 comme des personnages comme adam ou la Nerv est magnifique. Evangelion plaçait donc la barre très haut en ce qui concerne les séries cultes…

Et cowboy bebop arriva avec un charme et une personnalité totalement différents, mais une histoire, une musicalité, et un univers qui ont su lui donner une place à part. En 2071, l’équipage du vaisseau spatial Bebop et son équipage voyagent dans le système solaire à la recherche de primes que ces chasseurs (de primes) ou s« cowboys » vont traquer d’épisode en épisode. Au centre de l’histoire il y a le passé de chaque personnage et d’anciens évènements qui au fur à mesure de la la série construisent la tragédie. La musique (le jazz des années 40 à 60) rythme les batailles et chaque épisode est nommé « session », c’est dire combien le vocabulaire (scénaristique) de cette série est particulier, original. Et réinvente à son tour la série de science fiction telle qu’on la connait.

Comme on passe d’un style musical à un autre (même si le jazz prédomine, on aura des passages hip hop ou funk) on change d’époque (comme de planète); Shinichiro Watanabe met en scènes tous ses épisodes de manières différentes,: une policière à la coupe afro, des sons funky et un désert type western, un polar noir des années 20, images noir et blanc, et chapeaux de gangsters à l’appui… etc Cowboy bebop joue tour à tour sur les registres de l’humour, de la mélancolie et de l’aventure… Encore une fois c’est une série de SF bien à part, mais tout aussi culte.

Enfin, à la suite du film, il y a eu Ghost in the shell Stand Alone Complex... Et comme GITS le film fut une révolution, la série nous enmène encore une fois à un autre niveau. Scénarios dignes du cinéma, intrigues complexes qui nourrissent des réfléxions poussées, qualité de l’animation du meilleur niveau, design des personnages, véhicules, armes, décors, tout est d’un très haut niveau. Ghost in the shell établit un nouveau standard en terme de qualité, ni plus ni moins. La section 9 se voit encore mélée à des histoires mêlant complots, luttes de pouvoirs politiques ou financiers, mais aussi des histoires plus intimistes, certains épisodes hors des deux arcs narratifs majeurs de cette séries (le rieur et les 11 individuels) nous permettent de découvrir le passé des membres de la section 9, de creuser la psychologie des personnages… Le mélange de mélancolie et d’action, de « sagesse » et de moyens technologiques futuristes impressionnants de part le détail fournit, cette série complète l’œuvre cinématographique, ce qui pour des films cultes n’est pas un mince compliment.

Trois séries « adultes » donc, dont la puissance, la qualité (scénaristique comme visuelle) placent celles ci au niveau des meilleures séries TV, sans rougir de leur statut d’animés.

Albert Exergian est un directeur artistique qui a un sens très sûr… et minimaliste s’agissant de réduite à leur plus simple expression graphique, en l’occurence des séries TV que nous connaissons tous. Arriver à la quasi évidence avec aussi peu d’éléments pour symboliser une série TV, c’est quand même un sacré tour de force…

vous pourrez découvrir ses autres travaux sur : http://www.exergian.com/