Quand est ce que tout ça à commencé?

Par ça j’entends, ACTA, SOPA, HADOPI, les lois liberticides, les ahurissantes décisions d’assemblées censées représenter leurs peuples, les taxes.. Probablement avec le premier coup de pied dans la fourmilière que fut Napster, première fois que le P2P, le partage de fichier de pair à pair, rendit celui ci immédiat, mondialisé, l’accès à la bibliothèque de chacun facilité, le tout couplé à des connexions internet qui commençaient à devenir suffisamment rapides pour que l’échange aie un sens et devienne attractif. Ce jour là les « industries culturelles » (deux termes à priori plutôt incompatibles) ont commencé à sentir que ce truc qu’on appelait l’internet n’était plus seulement un support de communication supplémentaire, mais allait commencer à les emmerder sérieusement… Et à cette époque on pouvait encore réussir à réduire au silence cette technologie en fermant celui qui avait développé le logiciel le plus connu, le plus utilisé. Parce qu’il était encore centralisé… Une notion essentielle à prendre en compte.

La même technique fut utilisée contre ses successeurs, Kazaa ou d’autres qui étaient développés par des sociétés… et aux États Unis on commençait aussi à s’attaquera aux utilisateurs finaux, la RIAA commença ses procès et ses lettres de menaces qui lui donnèrent la triste réputation qui est la sienne aujourd’hui. Il faut lire ici les origines de la situation actuelle : surveillance des réseaux, toute puissance du lobby des industries culturelles, mais aussi les premières colères et les premiers dégoûts par rapport à la violence utilisée, premières constatations que ces industries n’allaient pas chercher à évoluer mais continueraient à se baser sur un modèle dépassé, un objet qui commençait lui même à l’être (le CD) avec l’apparition des premiers baladeurs Mp3 (qui se souvient du Rio?)…

Dès ces premiers moments, les bases sont posées de ce qui s’apparente à un conflit à la fois de culture et de génération.
Conflit de culture entre ces industries culturelles et leurs pendants politiques qui ne vivent pas la culture de la même façon, l’enrichissement du premier étant financier, du second étant plus intime, plus humain, plus essentiel. Non pas que les deux soient irréconciliables, mais la mauvaise foi des industries et leur discours très définitif sur ce qu’était le droit et l’accès à la culture (il doit passer par nous, nous possédons la culture – musicale, cinématographique, littéraire) niant le fait que la culture n’est pas qu’un bien marchand mais la richesse de l’humanité ou au moins de la société… Irréductible différence de conception qui fige la position des vendeurs dans une posture outrée, se drapant dans la lettre de la loi, ignorant que la culture est du domaine de l’esprit. Le discours est déjà posé entre le bien et le mal,et le méchant internaute, voleur, pirate n’est plus reconnu comme un consommateur. Le dialogue ne peut exister, il n’y a pas d’espace pour celui ci dans cette représentation de celui qui télécharge, quand bien même celui ci est il un moyen de découvrir avant d’acheter. En radicalisant les positions, les industries ont interdit le dialogue avec leur public et s’étonnent aujourd’hui que celui ci se détourne de leurs produits (quand elles ne prennent pas les passionnés pour des cons notamment dans le cadre des jeux vidéos, mais nous y reviendrons plus tard). Internet est perçu par celles ci comme le lieu de toutes les perditions, qu’il va falloir « civiliser »….

Cette problématique qui se mondialise trouve aussi son origine dans une lecture américaine du savoir et de la culture. Le droit d’auteur ou le brevet façon américaine.

Deux conceptions en effet du droit d’auteur :
En Angleterre, les intérêts des éditeurs et des auteurs sont, dès le xviie siècle, présentés comme « solidaires », et les intermédiaires sont considérés comme incontournables. Cela explique l’écart existant dès l’origine entre les fondements philosophiques du copyright et ceux du droit d’auteur continental.
La première véritable législation protectrice des intérêts des auteurs est la « Loi de la Reine Anne » du 10 avril 17105,6. L’auteur jouit à cette époque d’un monopole de 14 ans, renouvelable une fois sur la reproduction de ses créations.
Inspirées par le copyright anglais, la constitution des États-Unis d’Amérique de 1787 et la loi fédérale de 1790 accordent des prérogatives aux auteurs
.
En 1777, Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais, artiste et homme d’affaires, fonde la première société d’auteurs pour promouvoir la reconnaissance de droits au profit des auteurs. Dans la nuit du 4 août 1789, les révolutionnaires français abolissent l’ensemble des privilèges, puis les lois du 1310 et 19 janvier 179111 et du 1912 et 24 juillet 1793 accordent aux auteurs le droit exclusif d’autoriser la reproduction de leurs œuvres pendant toute leur vie puis aux héritiers pendant une durée de cinq ans. À l’issue de ce délai, l’œuvre entre dans le domaine public.

Source Wikipedia

Deux visions qui vont continuer à se différencier puisqu’au XXe siècle ce droit sous forme de copyright va s’étendre de façon croissante à de nouvelles formes d’oeuvres, cinéma, jeux vidéo, puis logiciels, dessins et modèles ou bases de données. Voir même actions… (on a breveté le clic de la souris…).

Se croisent donc à un moment précis quatre forces :
- l’extension de la privatisation de l’espace public par le brevetage, le copyright
- La protection accrue au bénéfice de ses vendeurs des oeuvres de l’esprit (pas nécessairement à celui de ses auteurs) par l’extension de la durée d’exploitation notamment
- le développement de l’internet ou les biens culturels sous forme de « bits » sont reproductibles à l’infini par simple copie et deviennent échangeables
- La remise en question d’un accès au patrimoine (l’interdiction de publier/reproduire des oeuvres qui appartiennent pourtant au domaine public et qui en sont issues ) et le développement d’un patrimoine partagé (Wikipedia et d’une certaine façon le p2p).

Toutes les formes de propriétés intellectuelles deviennent partageables, bouleversant une équilibre vertical (du vendeur à l’acheteur) pour une mise à disposition plus horizontale (de tous vers tous). Cette perte de contrôle est inacceptable pour l’ancienne génération… conflit générationnel donc… et face à cette rigidité et cette violence vont naître de nouveaux acteurs (conflit culturel)

Retraçant l’histoire de wikileaks et rappelant les dérives inadmissibles et insupportables que certains journalistes ont subis suite à leur collaboration avec l’organisation, ce reportage est nécessairement plutôt « pro » mais reste assez équilibré. En version anglaise sous titrée anglais… mais plutôt compréhensible pour tous. Pour se rappeler pourquoi wikileaks est devenu un élément fondamental dans le domaine de l’information. Une organisation qui a surtout révélé ce que l’on savait sans preuves bien souvent, le cynisme des gouvernants, l’inhumanité en temps de guerre, l’usage de la violence sans limitations, l’absence de morale dans les relations internationales et bien évidement dans la guerre et sa conduite…

La ville dans la science fiction est souvent le reflet de la société ou du système de gouvernement que l’auteur ou le réalisateur souhaite décrire, et à cet égard l’esthétique de celle ci (lorsqu’il s’agit de films) renforce souvent le message. Structuration sociale et géographique (Métropolis avec sa ville haute et basse, Brazil ou Soleil Vert avec ses quartiers riches et pauvres clairement séparées) participent aussi de cette vision de la ville comme devenant le reflet des choix politiques du dirigeant / fondateur de la ville.

La ville future est donc à la fois une représentation du pouvoir, de sa répartition et d’une vision plus ou moins négative de notre capacité a évoluer. La valeur se situe souvent dans une lecture verticale de la ville (Metropolis, Blade Runner et la demeure sur les sommets de la pyramide de la Tyrell Corporation), les « bas fonds », la ville basse considérée comme une zone « criminelle », est un classique de la science fiction. Aux riches l’air respirable aux pauvres les vapeurs de la cité industrieuse, industrielle. Cela se retrouve plus encore dans Demolition Man (les rebelles vivant sous terre) ou dans le 5e élément, où les zones basses sont littéralement celles du brouillard, inhabitées. Au delà de cette dichotomie verticale, la ville dans la science fiction est un ensemble, un monde fermé sur lui même, jusqu’à une fonction carcérale. THX1138, l’âge de cristal, l’exterieur de la ville est un ailleurs interdit, nié, plus récemment c’est la même chose dans « the island » par exemple.

Que dans l’imaginaire la ville est lieu anxiogène, fermé, un lieu de contrôle et de pouvoir, une extension de ce qu’elle est déjà aujourd’hui, à la fois pour les moyens de la fiction mais aussi un rejet, la ville n’est pas « naturelle » (voir la bande dessinée Megalex), la ville n’est plus ou pas perçue comme un projet, comme une amélioration, mais bien plus une dégradation.

Afin de se protéger… ou bien pour mieux accroitre son audience, wikileaks met souvent en scène ses révélations, et celles d’hier ne dérogent pas à la règle. Je ne commenterais pas les contenus, parfois croustillants, parfois inquiétants de ce gorge profonde numérique mais plutôt la portée pour l’historien du présent comme pour ceux du futur de ces révélations. En effet, il est souvent très difficile pour ne pas dire impossible à l’historien d’avoir accès à des documents « éclairants » sur des situations politiques données ou des analyses sur lesquelles ont été prises des décisions qui dessinent le cours de l’histoire… et wikileaks donne, aux journalistes comme aux citoyens, aux historiens comme aux commentateurs, une vision brute peut être mais du coup plutôt « honnête » de l’histoire qu’il s’agisse de guerre (les warlogs) ou de relations diplomatiques (les statelogs). L’intérêt de ces sources c’est justement le non filtrage de celles ci. Si celles ci sont non filtrées (en clair si wikileaks n’est pas elle même d’ors et déjà manipulée ce qui au vu de son audience va devenir une volonté croissante de la part de tout ceux qui peuvent y avoir un intérêt).

Cette portée n’est pas seulement sur le long terme, elle est aussi immédiate dans l’impact que ces révélations vont avoir sur le cours de cette histoire, sur comment elles vont amener une relecture des relations inter gouvernementales en même temps  qu’elles vont faire évoluer celles ci. Les gouvernements, notamment le gouvernement américain, ainsi que l’univers du renseignement américain se retrouvent devant une mise à nu de certaines de leurs pratiques voir de leur déviances, ce qui soyons réalistes, ne changera pas leur modus operandi, mais celui ci ne sera plus du domaine spéculatif, il pourra être accepté comme une donnée factuelle de l’analyse.

Certes oui, ces révélations sont un peu du domaine du spectacle et posent la question de la manipulation volontaire de la part de wikileaks de celle ci. Si wikileaks rend disponible ces informations avec avouons le, une brutale honnêteté, son action est elle même militante et devra elle même être soumise à analyse. Mais de part cette action, cette ONG est devenue elle même une part de l’histoire, et je ne serais guère étonné de voir celle ci citée dans les livres d’histoire plus tard, si elle « survit » à ses révélations à répétition… Même être médiatique ne sera peut être pas toujours suffisant pour ne pas risquer un retour de bâton de la part d’intérêts particuliers internes aux milieux militaros industrialos renseignementos étatiques, l’attaque par déni de service des serveurs étant la démonstration d’une tension croissante sur cette question.

Ainsi wikileaks participe à écrire l’histoire et à cet égard devient aussi l’histoire, mais des « révélations » sur wikileaks, au delà de la nécessaire caution des sources n’est pas encore à l’ordre du jour, s’il y en avait besoin. Vous l’avez compris, rien n’est aussi simple qu’il n’y parait pour l’historien qui s’il trouve là une manne d’informations « éclairantes », devra aussi questionner cette même source, ne serait ce que parce la fuite d’une telle quantité de documents de la part d’une source intérieure au renseignement américain parait… étonnante pour le moins. Les personnels ayant accès à des informations sensibles, sont généralement particulièrement suivis… et surveillés.

Le spectacle brouille l’information, l’histoire et l’historien devront avec le recul du temps et un esprit critique doublement affuté relire cette histoire qui s’écrit pour nous en temps réel.

A l’heure des grands fantasmes sécuritaires autour d’internet par une classe politique qui n’y comprend pas grand chose et qui en a peur, qui, par collusion volontaire ou plus simplement parce qu’elle a peur de paraitre  inactive utilise l’informatique pour renflouer les caisses d’une industrie de la culture qui se refuse à évoluer… Il était temps de vous parler des ancètres du partage, de ce à quoi vous avez déjà touché un jour sans pour autant en reconnaitre l’origine, je veux parler du warez…

Certes, le terme n’est plus aujourd’hui très en vogue, les façons de transmettre ont évoluées mais il y a aussi eu un glissement étymologique sous l’influence médiatique et économique vers la notion de piratage. Pirate ça fait plus peur, plus méchant que warez… Warez ça avait un côté sympa, maintenant on préfère la proctologie numérique du Deep Packet Inspection, ou plus simplement et ouvertement trouver tous les moyens possible de financer le déclin des copains en pompant l’internaute moyen. Mais nous ne sommes pas là pour parler de la façon à la fois éhontément visible et lamentable immorale dont une certaine classe politique traite internet, nous sommes là pour parler des Cow Boys de ce Far West, Gibsoniens ou pas, nous sommes là pour nous rappeler comment à commencée la « ruine de l’économie mondiale des logiciels » par quelques gus derrière leurs écrans.

La légende veut que le warez naquit ainsi :

En 1951, dans un petit village près de Tijuana au Mexique, Enrique Jesus WAREZ nait d’un père technicien de surface chez IBM Mexique et d’une mère… au foyer. A la fin des années 70, Papa Warez, alors affecté à la division « Systèmes d’Exploitation pour PC d’IBM », perd son emploi car IBM cient de choisir d’équiper ses machines d’un système d’exploitation baptisé DOS. Le jeune Luis se lança donc dans une croisade contre ces sociétés qui avaient ruinées sa famille.. au travers de la release de cracks, et la mise en place de BBS (bulletin boards)… Voilà pour l’iconographie religieuse… plus sérieusement l’un des premiers sites à proposer des programmes modifiés avait pour slogan « We ARE Ze underground » d’où Warez… On dit aussi que Warez n’aurait été finalement que le pluriel de « Ware » pour software (programmes).

Avec le Warez vient la Scène… et pour relier ses apôtres, différents canaux de communication.. La Scène désigne en fait les différents groupes de hackers/crackers/relasers ou teams dont certains noms sont devenus célèbres qui au fur à mesure que les modems devenaient des bêtes de course (imaginez ou rappelez vous si vous y étiez, les modems 56,6 et l’affichage de votre page web en moins de 10 secondes !) entreprirent de proposer à qui le voulait des cracks, des programmes « décapsulés », c’est à dire dont on avait modifié le code pour faire sauter la licence.

A cette époque l’un des principaux fournisseurs d’accès était AOL. et au dela des BBS, les chat rooms publiques permirent à certains se rencontrer, puis de créer des chatrooms privées pour échanger informations, connaissance et programmes, un autre des canaux utilisé (et qui l’est encore) était IRC. AOL ne s’intéressa pas à cette époque à ces petits groupes qui parfois pirataient son système pour se créer des comptes factices, et vers l’été 1995, les choses s’accélèrerent. Les BBS permettaient d’échanger des programmes, mais un petit groupe lança l’idée dans différentes chat rooms de mettre librement à disposition ces fichiers crackés. Des groupes commencèrent à se former. A partir de 1996, Aol prit conscience de ce qui était en train de se passer et ferma les comptes factices, fit le ménage dans les chats et les autorités débutèrent une première traque des membres de s Razor 1911, Drink or Die, Inner Circle, Class, Pirates with Attitudes…

Après ce premier age, de 1997 à 2000 en fait, de nombreux groupes apparurent : Legend, FoCuS, GoH, ink, MiRaGE furent parmi les plus célèbres mais on évalue à un millier environ les groupes qui se créèrent, éphémères ou pas. Dans cette effervescence apparurent les 0-day, c’est à dire les programmes crackés dés leurs sortie et mis en ligne le même jour, avec des résultats variés en qualité, mais aussi l’audiowarez par exemple, qui était une branche spécialisée dans la mise à disposition de softs audio. Et le porno évidement.

Le début des années 2000 à marqué le début de la lutte contre la Scène avec les opérations « spectaculaires » (plus de spectacle que d’impact réél quoi) du FBI.

DrinkOrDie* et RiSC tombent et avec eux un pan de la scène Warez internationale puisque des  membres de Razor, Fairlight, SKiDRoW sont arrêtés, nous sommes en décembre 2001 et 62 d’entre eux vont découvrir qu’il est plus grave de faire du warez que kidnapper un gamin, en terme de peines… Les Topsites qui étaient la source des releases ferment provisoirement, la scène se retire dans l’ombre de l’undernet… Le coup suivant est porté le 22 avril 2004 : avec force conférence de presse et on annonce l’arrestation de nombeux  cybercriminels : FairLight (FLT), CLASS, Kalisto, Echelon et Deviance, dans le cadre d’une opération nommée « Fastlink », qui fut principalement une infiltration des teams à coup de faux topsites…. et le coup est rude, puisque l’opération va durer 3 ans. En 2006 pourtant, Razor 1911 est de retour, les troupes se sont renouvelées… La dernière opération en date est encore plus « fantastique », on nage en pleine fiction surtout au  niveau des chiffres. C’est en 2010 et l’attaque contre la scène warez néerlandaise que la police annonce fièrement stopper un trafic de 6 milliards d’euros. Vu qu’il n’y a pas de perte mais de manque à gagner, ces chiffres ne reposent sur aucune réalité…

Les discours sont fantaisistes, mais se veulent rassurant, on est en train de sécuriser ce far west pensez vous… Sauf que la Scène est finalement très peu atteinte par cette énième opération. Il y aurait beaucoup à raconter et à expliquer sur le warez, sa structure, ses modes de distribution, (vous pouvez trouver ces infos sur wikipedia), mais aussi sur les .nfo avec le logo des teams en ASCII, vous parler de l’époque d’astalavista, moteur de recherche de cracks… mais bon, aujourd’hui c’était un petit moment d’histoire, la prochaine fois on parlera de l’apparition du P2P et comment le warez est devenu… secondaire.

Pour tout ceux qui connaissent un minimum l’animation japonaise, l’importance des robots est telle que c’est une genre à part entière le « mecha » dans l’animation et qu’elle fut à la base du boom du manga. Cette relation n’est pas nouvelle… l’affection japonaise pour les robots remonte à l’ère Edo ( 1603-1868 ) et ses premiers automates ou  « poupées automatisées » . Les Karakuri-ningyō ( poupées mécaniques ), avaient pour fonction d’amuser le peuple à certains festivals  et la superstition voulait  qu’elles bougeaient grâce à un esprit qui pénétrait le mécanisme et lui assurait un déplacement proche de celui de l’être humain. Construites en bois,  et animées par un mécanisme d’horlogerie elles eurent même leur théâtre, le Takeda-za, à Ōsaka dès 1662.

Dans les années 1920, alors que  la mécanisation de l’ industrie bat son plein, la culture populaire est riche en films, bandes dessinées et littérature consacrées aux « robots » en témoigne cette photo (de 1932, dont on ne sait finalement pas grand chose) d’un inventeur à côté de son robot, dont on imagine qu’il tient plus de la décoration qu’autre chose.

Ce sera surtout à partir de 1952 avec la création d’astro le petit robot d’Osamu Tezuka que l’ampleur de cette « attirance » va prendre une autre dimension. Le succès de cette œuvre, et au delà de celle son héros, va faire du robot au Japon un acteur incontournable de la culture (cinéma, animation, manga). L’ombre d’un Godzilla masque à nos yeux l’importance prise par les robots en temps qu’acteur inconscient et central de l’imaginaire japonais. Ce sera ensuite en 1956 Tetsujin 28-go qui sortira en animé, et sera le tout premier « mecha » dont le succès soit réel au Japon, (il sera connu  sous le nom de Gigantor aux US mais ne percera jamais réellement). Si quelques animés surfent ensuite sur la même vague, aucun ne connaitra le même succès avant 1963 et l’adaptation animée d’astro : Astroboy.

Ce sera pourtant l’apparition de Cyborg 009 dans un film sous le nom de ( Cyborg 009 Kaishû Sensô ) en 1967 qui va ouvrir la voie a toute l’animation japonaise. Le successeur sera Mazinger Z (1972) , premier « robot géant qui connaitra lui aussi  un gros succès au japon, mais sera boudé a l’étranger pendant un certain temps. Il faut donc attendre 1977 pour que le succès dépasse les frontières mais surtout qu’au Japon on par le d’un « boom » avec des titres tels que Space cruiser Yamato, ou encore ( Space Battleship Yamato ) qui vont convaincre les industriels de promouvoir leurs créations hors des frontières.

Ce sera dés 1978 avec Goldorak ( UFO Robo Grendizer ) de son vrai nom, dernier volet d’une trilogie imaginée par Go Nagai mettant en scène des robots géants qui connaitra un succès immense notamment en France (tous les trentenaires peuvent en témoigner.. L’année suivante un nouveau tournant : l’apparition d’un nouveau style et d’une animation différente avec le premier Gundam. Ce ne sont plus des grands robots mais des « transformers », le design des machines change véritablement. Suit en 1982, Macross et l’année suivante Armored trooper Votoms qui se différencie de tous ses prédécesseurs par le réalisme des combats, sans concessions.

Dans le même esprit que Gundam sortira dans les années 80 robotech. C’est en 1988, en même temps que l’immense Akira qu’on verra apparaitre Gunbuster et le début du cyberpunk. En 1995, Evangelion apporte une dimension supplémentaire : animation superbe, scénarios impressionnants, ampleur inédite du propos. Quelques années plus tard, l’ultime évolution, Ghost in the Shell, et ses cyborgs métaphysiques bouclent le cycle.

Ce qu’il faut bien comprendre, c’est que le robot n’est pas considéré de la même façon au Japon ( où il est perçu comme plutôt sympathique) et en occident où on le perçoit comme une menace latente qu’il s’agisse de remplacer la main d’œuvre humaine ou d’asservissement, l’imaginaire de Matrix en témoigne très bien. La robotique est une industrie sur l’archipel : en 1973, Waseda sort le WABOT-1 (contraction de WASEDA et de roBOT), le 1er humanoïde « intelligent », doté d’un système de vision et de conversation qui lui permet de communiquer (en japonais), de marcher mais aussi de saisir des objets avec ses senseurs tactiles.

En 1984, le WL-10RD peut monter des marches d’escalier et C’est un progrès énorme, car ce type de mouvement nécessite que le robot déplace son centre de gravité et tienne en équilibre sur un pied pendant un moment puis en 1995, Waseda termine le WABIAN. qui possède 2 caméras qui font office d’yeux, et de capteurs partout. Il est l’aboutissement de plusieurs dizaines d’années de recherche. Enfin Depuis l’an 2000, les robots sont conçus pour vivre avec l’Homme, tels ASIMO de Honda ou SDR-3X de Sony. Asimo regarde son interlocuteur et peut répondre à une poignée de main. Le chien AIBO, un animal virtuel créé par SONY, voit le jour à la même période.

Le robot est souvent construit « humanoïde » et est considéré comme un « auxiliaire de service » (l’animé Patlabor en est l’une des émanations les plus claires). Le robot accompagne ou aide l’homme. Il lui ressemble parfois jusqu’au mimétisme ( avec Actroid DER2 appelé androïde réaliste, Kokoro et l’université d’Osaka ont développé un androïde qui regarde, parle et déplace sa tête, bras, mains, et corps avec un corps très « humain »).

L’ultime mission pour les robots japonais c’est le programme de robots lunaires lancé par

L’Agence spatiale japonaise JAXA avec 2.2 milliards de dollars US de budget pour financer le développement d’une famille de robots qui iront explorer la Lune d’ici à 2020. Ces derniers pèseront environ 300 kg et seront équipés de bras pour prélever des échantillons, des panneaux solaires pour les alimenter en énergie, des appareils de mesure sismiques et naturellement des caméras vidéo haute définition. Semi-autonomes, ces robots seront dirigés depuis la terre et ils jetteront les premières « pierres » d’une base lunaire, qui pourra accueillir des humains dans le futur.

Ceux qui ont déjà lu un article quasi similaire dans l’esprit sur les comics ne seront pas dépaysés, l’idée est de combattre cette image stéréotypée que l’on a du manga (bande dessinée japonaise, je ne parle pas d’animation) comme étant quelque chose d’encore plus… incongru que de lire des comics. Ce serait encore une fois passer à côté d’auteurs passionnants, avec un dessin et une façon de raconter des histoires qui leurs sont propre, ce serait nier la finesse et l’intelligence que l’on peut trouver dans ces livres dont certains sont plutôt d’ailleurs à recommander à un public adulte, de par leur violence (Nihei) ou leur complexité. Oui, complexité parce que tout ceux qui ont déjà lus certains tomes de ghost in the shell de Masamume Shirow savent combien en quelques pages le mangaka est capable de brasser de thèmes, de réflexions…

De plus aujourd’hui un nombre croissant de bons auteurs sont disponibles permettant à chacun de trouver celui dont le discours ou le graphisme lui est le plus proche. Ou son rythme : entre la lenteur mélancolique d’un Taniguchi et la fureur d’un Nihei, les univers de chaque auteur sont autant d’occasions de plonger dans des conceptions différentes de la SF aux chroniques sociales ou à l’introspection. Une richesse donc d’écriture, une finesse que les idées reçues nie en cantonnant le manga aux images stéréotypées d’une production de masse enfantine que la télévision, média décidément bien réducteur, utilise pour combler le vide de sa sélection.

Il y a des œuvres majeures et des œuvres mineures certes… Un 20th century boys ou les ghost in the shell, Blame ! ou MPD psycho sont des oeuvres fortes, aux thématiques tour à tour profondes, dérangeantes, multiples, les livres de Inio Asano ont une personnalité propre, une façon de raconter l’univers intime des personnages, unique. Contemplatif, lent, poétique,  Mushishi d’Yuki Urushibara allie la sensibilité de son auteur à une histoire mélant nature et fantastique, pour un résultat passionnant. Les oeuvres d’Osamu Tezuka sont tellement nombreuses que chacun trouvera celle qui correspond le mieux à ses goûts : science fiction, historique, philosophique, polar… Si on aime ce trait simple mais efficace. Chacun peut donc trouver  l’auteur qui lui correspond…

L’inventivité ou la construction même de certaines histoires méritent une attention aussi importante que celle d’un classique littéraire pour en comprendre les ressorts. Un passage de 20th century boys dans le tome 1 peut prendre une ampleur inattendue et compréhensible dans le tome 5 ou 8 par exemple, cette histoire en 22 tomes est à cet égard une construction impressionnante… et passionnante, et dans le même esprit on pourrait parler d’Akira.

Dire qu’il y a d’un côté la bande dessinée (sérieuse) et le manga (simpliste) d’un autre est une tentation forte chez ceux qui n’en ont jamais lu. Le dessin, la ligne claire européenne et le trait plus simple du manga (quoique plusieurs mangaka contredisent cette idée de simplicité) conduisent parfois à conditionner la vision que l’on a de cet art. Déjà que la bande dessinée n’a pas très bonne presse (des adultes qui lisent des bandes dessinées, pensez donc, c’est qu’ils n’ont pas suffisamment de maturité), pire encore s’agissant de comics… alors de mangas, le format est donc plus difficile à faire « respecter » comme étant un art de la même façon que le 9e art européen (plus « respectable » ou « adulte »). Il ne faut pas nier non plus qu’une partie de cette production parfois industrielle tire vers le bas mais comme dans chaque art, il y a des perles. Faites fi de toutes ces idées reçues, n’hésitez pas la prochaine fois que vous passez en librairie ou à la bibliothèque de votre quartier de vous aventurer jusqu’au rayon manga et feuilletez quelques pages de ces livres qui se lisent dans le sens contraire de la lecture occidentale, vous découvrirez toute la richesse d’une production dont nous ne connaissons pour l’heure (et malgré un réel progrès dans l’édition depuis quelques années) qu’une petite fraction.

Petite liste de mangas recommandés

Abara & Blame ! de Tsumotsu Nihei
Mushishi de Yuki Urushibara
Ghost in the shell / applessed / Orion de Masamume Shirow
Akira / Domû d’Otomo
Le champ de l’arc en ciel de Shigeru Mizuki
Kaos, l’histoire des trois Adolf, la femme insecte d’Osamu Tezuka
Nononba d’Inio Asano  (grand prix a Angoulème, excusez du peu)
20th century boys, Pluto d’Urasawa Naoki (& Osamu Tezuka pour Pluto qui est une reprise d’une histoire du maitre, mais extrapolée et modernisée)
Reset, manhole, dudes hunt de Tsutsui Tetsuya
Amer béton de Taiyō Matsumoto (numéro 5, une autre de ses œuvres est très bien mais très (trop?) barrée)
MPD psycho d’Eiji Otsuka
Quartier lointain, au temps de Botchan,  l’orme du caucase, l’homme qui marche… de Taniguchi

et j’en oublie sûrement quelques uns, mais voilà déjà de quoi commencer

Dans un certain nombre de bandes dessinées, quelles que soient leurs origines, la ville tient un rôle à part entière. Et au delà de la spécificité de l’œuvre de Schuiten Peeters chez qui la ville est quasiment le sujet le décor devient un élement fondamental pour ne pas dire fondateur de l’histoire. C’est particulièrement sensible dans les comics, pensez au Gotham de Batman qui est à la fois « source » de l’histoire (la ville conçue par les esprits « malades et opiomanes ») puisqu’elle est quasiment génératrice du crime et personnage de l’histoire (décor, mais aussi obsession du héros masqué), pensez à « la ville » dans métropolitain de Warren Ellis, dont le héros parle comme d’un corps vivant, ou bien encore aux villes de premières oeuvres d’Enki Bilal, la cité n’est pas qu’un cadre ou un territoire mais devient partie de l’histoire, partie du personnage central, Paris ou Sarajevo, ville ou mère…

La ville conçue comme envahissante, chez Moebius, s’oppose à celle Winsor Mc Kay dans « Little Némo », où la ville est terrain de jeu, terrain de rêve.
C’est dans les œuvres de science fiction, que ce soient des mangas ou des créations plus occidentales que la cité devient source d’angoisse, prison, enjeu (la cité pas si idéale de Appleseed de Masamune Shirow), bref c’est dans la SF que la ville dépasse son rôle de décor pour devenir plus franchement un intervenant non « caractériel », pas un personnage mais un élément clé participant à l’histoire, agissant au travers des limites qu’elle impose ou de ce qu’elle représente (la mega city one de Judge Dredd) comme témoignage de la folie de ceux qui la peuplent.

Il y a encore milles œuvres à citer qui gravitent autour de cette idée mais fondamentalement pourquoi la ville a t elle cette place si particulière dans ces univers?
Je serais tenté de vous répondre que dans une histoire graphique, le décor est le 2e élément le plus important (après le personnage) et que donc la ville a souvent un intérêt en ce qu’elle donne une atmosphère, qu’elle participe à l’histoire en temps que fond… mais cette réponse est en elle même trop limitée. La ville est rêvée ou crainte, car elle définit un espace, un temps, une vision. Le personnage agit « dans le cadre » de cette vision, et pour reprendre encore une fois l’image de Batman, il est en est à la fois l’enfant, l’antidote et le produit. Enfant de la ville car elle est « un produit Wayne », œuvre de la famille, il en est l’enfant parce qu’elle l’a fait avec sa violence et sa misère et il s’en veut l’antidote parce qu’il veut la transformer. Le héros de Transmetropolitan n’est pas si loin, mais lui voit la ville comme un être sensible…fou, déjanté, amnésique, mais un être social quand même.

Après bien sûr, il y a les cités obscures… où les personnages sont des éléments au service de la ville, ou l’architecture est l’esprit du lieu, la personnalité, ce qui place ce cycle tant à part dans la production graphique bdesque !

A force de baigner dans un discours formaté, politisé, polarisé sur les questions de sécurité / insécurité, de police, d’entendre et de voir du fait divers, les dérives et discours autour de ceux-ci, comment se faire une idée, comment aiguiser un esprit critique sur ces questions forcément polémiques. Ce n’est pas le seul outil qu’il vous faudra utiliser, mais le blog de Georges Moréas que j’ai découvert il y a peu est d’une intelligence et d’une modération rare sur ces questions. La police vue de l’intérieur, les questionnements d’un ancien policier sur l’action et la place de la sécurité, accompagné d’anecdotes et de réflexions, sont une source d’inspiration et d’information pour éviter de parler trop bêtement et rapidement sur des sujets sur lesquels on s’échauffe rapidement. Mes inquiétudes sur les libertés publiques ne m’ont jamais fait oublier que derrière le « flic » il y a un homme, avec ses qualités et ses défauts, ses pouvoirs et ses responsabilités.

Ce n’est pas seulement cela que j’ai retrouvé dans ce blog, mais aussi une qualité d’écriture, une volonté didactique, qui font sa qualité.
Qu’il s’agisse d’un fait divers récent ou d »entrebâiller un peu un monde souvent fantasmé par l’intermédiaire des films ou des séries, c’est apprendre un peu le comment et le pourquoi, l’histoire, les petites histoires dans la grande, qu’apporte ce site. Conservez votre esprit critique, remettez en question ce qu’on vous dit, ce que vous lirez, mais profitez aussi de cette source d’informations particulièrement intéressante et disons le, honnête intellectuellement, ce qui sur ce genre de questions n’est pas toujours évident. Merci M. Moréas.

http://moreas.blog.lemonde.fr/

Je sais que le titre de l’article va peut être prêter à sourire ou inquiéter un peu le lecteur, mais il y a quelques livres qui ne se lisent qu’à l’occasion pour le plaisir de se cultiver ou bien tout simplement par curiosité… Je ne parle pas des Larousse, Robert et autres patronymes mais en l’occurrence de deux dictionnaires et d’une encyclopédie qui me suivent depuis des années (enfin, l’un des deux dicos plus depuis plusieurs années suite à un prêt… qu’on a oublié de rendre).

En l’occurrence, le premier de ces dictionnaires peut faire peur, il s’agit du dictionnaire du diable de Roland Villeneuve (il existe aussi un dictionnaire du diable d’Ambrose Bierce , que je possède aussi mais qui est bien plus un recueil ironique et humoristique des visions critiques de son auteur). Ce beau livre (qui existe aussi en poche, toujours disponible à la vente, alors que le grand format ne se trouve plus que d’occasion) érudit et complet compile une connaissance rarement disponible sur le diable, la sorcellerie, la démonologie, bref sur tout un pan souvent moqué de la culture occidentale, permettant au curieux d’y voir plus clair dans le fatras des fantasmes et racontars… Et pour l’historien plus de 900 références pour compléter ses recherches. A la fois complet sur le côté « classique » (le diable, la démonologie, la chasse aux sorcières) c’est aussi un excellent recueil des croyances populaires liées au mal dans les régions françaises. Certes ce dictionnaire la n’intéressera pas tout le monde, le second, le perdu par contre… est plus à la portée de tous et devrait être dans toutes les bonnes bibliothèques… Le dictionnaire historique de la langue Française.

Que vous souhaitez briller en société ou bien encore connaître l’évolution d’un mot au fur à mesure de l’histoire de la langue que vous parlez au quotidien, que vous soyez prof de français ou curieux de nature, voilà un beau cadeau a vous faire offrir, l’occasion de se faire périodiquement plaisir en plongeant dans l’histoire d’un mot, de ses déviances, de ses origines, de son destin linguistique. C’est un dictionnaire pour le plaisir de la langue et d’en savoir plus sur les mots au delà des définitions un peu sèches de ses cousins best sellers classiques.

Si vous êtes plutôt matheux, ou bien que les chiffres vous parlent plus… 2 tomes de la collection bouquins ont des histoires à vous raconter… un sacré paquet d’histoires puisqu’il s’agit de l’histoire universelle des chiffres. Une approche à la fois ouverte (la parenthèse intelligente sur la kabbale), toujours très accessible de lecture, qui des mayas aux arabes vous fait voyager dans l’espace autant que dans le temps, explique comment certains systèmes pouvaient rendre un simple soustraction compliquée à l’envi… Le livre peut faire peur, ce serait une grande erreur, tant il se lit bien, tant on y apprend avec plaisir..

Trois livres donc qui ne vous feront plus voir les dictionnaires de la même façon; et que wikipedia, ou l’universalis ne sauraient égaler.

Le titre donne le ton.
Pour ceux qui tournent aux alentours de ma génération  voir pour les plus anciens, il y a toujours eu deux camps. Les bons, les super héros, les gentils, les rebelles… et les méchants, les super méchants, l’empire… Nourris au strange, Lug, et autres publications hebdomadaires, gavés de ligues de justiciers, de superman superpropre sur lui, de spiderman avec une conscience, de hulk qui s’en veut de s’emporter (qui limite nous ferait une psychothérapie new age pour apprendre a mieux contrôler ses pulsions), c’était simple et clair et évident, même si ça restait quand même généralement assez excitant.

Puis une poignée de scénaristes et dessinateurs  dont , Simon Bisley, Warren Ellis, Mark Millar, et peut être leur « père » à tous, Frank Miller ont commencé à tordre le cou à l’image du super héros ou de ses intentions pour commencer à rendre un peu plus complexe, un peu plus sexy, un peu plus trash ces personnages… Neil Gaiman et Dave Mc Kean ont été dans mon cas les premiers à plonger dans l’imaginaire tordu avec L’asile d’Akham, où l’on découvre un batman, le seul « héros ambivalent », aussi cinglé finalement que ceux qu’il enferme, qui lui tendent le miroir de sa propre folie pour lui faire sentir qu’il est finalement à sa place parmi eux.
Oui, Batman est depuis l’invention du joker le premiers super tordu qui donnera une plus grande profondeur au genre.

Un éditeur français, en l’occurence Panini publie la grande majorité de ces oeuvres mais a la mauvaise habitude… de ne pas republier (reste donc l’occasion pour trouver parfois certaines choses).

« Wanted » de Millar, Les « lobo » de Bisley, Civil war et secret war, Marvel zombies, umbrella academy  (dont l’excellent tome 2 vient de sortir et joue de l’assassinat de Kennedy, rien que ça), le « Joker » d’Azarello, tout un tas d’œuvre qui explosent le cadre et rendent les comics plus adultes, plus durs, plus sombres, mais aussi plus addictifs.  On a un peu l’impression que les séries tv comme les comics ont compris qu’en prenant leur public plus au sérieux, en leur donnant plus à penser et plus adulte à voir, ont su reconquérir un public, voir conquérir le cœur de quelques critiques qui auparavant trouvaient le genre trop monolithique…
N’hésitant plus à parler des sujets qui fachent (politique, super héros qui utilisent leurs pouvoirs pour dominer) voir centrer des séries sur des super méchants (le Nemesis à paraître de Bendis par exemple), en se libérant du cadre « classique », les scénaristes nous offrent des choses assez inédites comme par exemple Superman Red Son : et si Superman était tombé en URSS au lieu d’un champ de blé aux US… rien qu’un tel pitch devrait vous donner envie d’en savoir plus !
C’est donc une bonne époque pour (re)découvrir ce genre, mais pas nécessairement… en famille

Quelques recommandations :
Wanted
Umbrella academy
Hellboy
Goon
Civil war + secret war
marvel zombies
Hellbalzer
the filth
transmetropolitan

et j’en oublie des tonnes…

Pour une fois je quitte un peu le monde de l’image stricto sensu pour vous faire partager un blog particulièrement intéressant, tenu par Pierre Fraser,  essayiste, linguiste et informaticien qui  plus de 15 ans je travaille à l’élaboration d’une théorie des tendances. Au délà du côté recherche anthropologique et sociologique que propose ce monsieur, c’est un outil de décryptage de l’information, de la construction d’une vision du monde nait des discours que nous tenons et comment se développent les tendances qui vont l’influencer.

je me permets de citer :

Les tendances façonnent nos sociétés en faisant appel à trois grandes forces dont le pivot central est l’individu.

1. Flux : transit des idées et des codes collectifs d’une société.
2. Visions du monde : ensemble des systèmes de valeurs que partagent les membres d’une société.
3. Cygnes noirs : événements imprévisibles qui ont un impact direct sur le Flux et les visions du monde d’une société.

Plus que jamais, dans toute l’histoire de l’humanité, nous avons réussi, grâce aux technologies associées à Internet, à rendre l’expression de soi accessible à tous. Toute l’infrastructure de la société numérique est basée sur cette idée que nous poursuivons inlassablement depuis le Siècle des Lumières de permettre à l’individu de s’exprimer sans contrainte, sans filtre et sans censure. Le « moi » est devenu une préoccupation majeure.

Cette recherche offre un outil de lecture de l’information que je soumets à vos esprits critiques, car on n’est jamais en manque de filtres de lecture face à une information qui ne cesse de s’accélérer.

le blog : http://theoriedestendances.com/

Un passionné d’image n’est pas qu’un spectateur de celles-ci, ou parfois un créateur… le besoin de penser l’image et son rôle sont autant nécessaires que la recherche de nouvelles formes d’expression. C’est pour ça qu’une petite série d’articles vous livrera le résultat de mes quelques réflexions. Commencer par le futur, c’était une logique comme je les aime. Démonter au fur à mesure la perspective.
Le futur est nécessairement virtuel, le présent seul est réél, le passé est recomposé. Le futur de l’image parle plus de ce que les révolutions techniques nous permettent et vont permettre de plus en plus de produire comme images et les conséquences de ces images. La technique est devenue à la fois plus universelle (chacun peut disposer d’une machine, de logiciels, et avec de la volonté, du temps et de l’apprentissage créer de l’image, la retravailler comme un matériau… rien de très nouveau dans tout cela, la démocratisation d’un outil de création est une constante historique.

C’est plus l’occasion de la sortie d’ »Avatar » de James Cameron, film sur lequel reposent beaucoup d’espoirs et aussi pas mal de fantasmes concernant le futur du cinéma, surtout du point de vu de ceux qui la font. Cameron se propose de faire vivre aux téléspectateurs une 2e révolution du cinéma en relief mais cette fois ci avec le concours de la 3D et d’images au réalisme accru. La volonté affichée est de transporter littéralement le spectateur dans le film, de lui offrir une expérience nouvelle si forte que le cinéma reprendrait une place forte dans la hiérarchie des sensations que les jeux vidéos lui ont un peu ravit ces dernières années. La technique par l’intermédiaire de la motion capture (on pose des capteurs sur les acteurs jusqu’à reproduire numériquement par le biais de ceux ci leurs expressions, leur mouvements) transforme l’acteur réél en acteur virtuel (le grinch de Zemeckis) donnant un supplément de réalisme, voire de réalité au personnage virtuel. Ce personnage virtuel, ce double ne sait pour l’heure exister sans son double rééel. On n’est pas encore dans ce doppleganger (Doppelgänger est un mot d’origine allemande signifiant « sosie », employé dans le domaine du paranormal pour désigner le double fantomatique d’une personne vivante, le plus souvent un jumeau maléfiqu), théorisé par le Critical Art Ensemble comme notre double en terme d’informations qui est évalué pour mesurer notre « crédit », mais en terme de prospective, la question se pose. Sera t il un jour plus intéressant pour les assurances qu’un acteur joue couvert de capteurs dans un studio, des scènes que son double numérique devra jouer dans un environnement jugé trop dangereux?
Un acteur virtuel peut il naitre… comme l’idoru de William Gibson, connaitre le succès, devenir… un people?
L’image d’un acteur pourra elle devenir privatisable et commercialisable?
L’image d’un acteur pourra t elle survivre à sa disparition?

La technique et la privatisation galopante de tout ce qui est monnayable, comme le génome, amènent à se poser ces drôles de questions.
Si pour monsieur tout le monde, c’est plus un doppleganger nourrit des traces qu’il laisse sur la toile, ou par l’intermédiaire des informations dont on peut disposer sur lui (données banquaires, téléphoniques, scolaires, médicales…), drôle de créature qui selon tel ou tel point saillant de son apparence l’inscrit dans tel ou tel listing…  Si pour ce monsieur tout le monde, le contrôle de l’information qui le concerne et le droit à l’oubli (le droit en clair que ce qu’il a dit dans le passé, ne le poursuive pas toujours…) sont les points à défendre, pour celui qui devient public, c’est son image, sa propre identité qu’il faut protéger.
C’est toujours notre identité que la technique pourrait remettre en cause.
Sur la base des informations sur lesquelles on nous jugera (banquier, police,assureur,employeur) nous perdons progressivement le contrôle et le CAE (critical art ensemble) à plutôt vu juste, les pouvoirs limités de la CNIL en sont malheureusement l’illustration.

L’image, et l’utilisation de son identité au delà de ce qu’il pourrait accepter ou au delà de son existence, voilà ce qui menace l’acteur.
Le virtuel peut nous apporter le meilleur, des films encore plus bouleversants, des histoires encore plus merveilleuses ou seule l’imagination débridée des créateurs fixe la limite. Ou faire revenir Elvis dans une publicité, Marylin dans un porno…