C’est un étrange et génial projet de l’artiste / photographe japonais « Photographer Hal » qui represente l’amour sous vide, sous la forme de couples emballés sous plastique. Un peu comme certains produits que vous trouvez en supermarché…Il utilise des housses plastique desquelles il aspire ensuite l’air grâce à un aspirateur, fixant les couples qui deviennent véritablement des objets, prêts à être vendus… l’air est ensuite rapidement réinjecté, ne laissant au photographe que quelques secondes pour prendre ses clichés. Une relecture à la fois critique et poétique de l’amour aujourd’hui.

Le photographe Noah Doely aime imaginer les naturalistes du siècle dernier comme des membres d’un bureau du paranormal, ou comme des chasseurs de monstres… une histoire naturelle pleine d’imagination qui donne presque envie que ses créations soient vraies, du chasseur de fantôme au fossile dans les murs, entre autres créatures fantastiques de cette série imaginaire.

Une série plutôt dérangeante de la photographe belge Frieke Janssens qui a photomontées ces images en réaction aux différentes vidéos postées à travers le monde montrant des enfants en train de fumer ces dernier mois. Des clichés étonnants qui poussent à la réflexion sur ce qu’on montre de notre sidération face à ce genre d’images.

Leonid Tichkov, un artiste plasticien et poète, peintre dont les installations et les mises en scène, l’on conduit à imaginer ce projet. photographe russe vivant actuellement à Moscou. C’est Boris Bendikov, photographe en collaboration avec le premier auquel nous devons cette série à la fois plein de poésie et de légèreté…

Si la pratique du light painting est aujourd’hui considérée comme une expression artistique moderne, elle n’est pourtant pas récente. C’est le photographe américain Man Ray qui a le premier réalisées plusieurs œuvres utilisant cette technique : A Man With Moving Light et Space-Writing, en 1937. Ces photos de Picasso pour le magazine Life datent quand à elles de 1949.

Petit rappel : Le Light Painting est une technique photographique consistant à faire intervenir une ou plusieurs sources de lumière tenues à la main (typiquement des lampes de poche ou autre lasers) dans une scène photographiée avec un temps de pose supérieur à 1 seconde.

Durant la Première Guerre Mondiale, le gouvernement américain commanda à l’anglais Arthur Mole et l’américain John D. Thomas une série de photographies de foules de soldats à fins propagandaires, « patriotiques ». Celles ci devaient représenter des symboles forts, de la cloche fêlée de Philadelphie à l’Oncle Sam.

Rosie Hardy est une jeune photographe anglaise basée dans le Derbyshire et qui ne quitte Jamais son Canon 5D Mark II… Si je vous dit qu’en plus c’est une pro du photomontage, vous comprendrez pourquoi ses oeuvres sont dotées d’une ambiance et d’une poésie toute particulière… un coup de coeur à découvrir ci-dessous

David Galstyan est un photographe arménien dont la série « fly » est une série de photographies présentant des corps dansant dans des voiles, en noir & blanc. Un univers unique et envoûtant.

David Emmite a commencée sa carrière de photographe  après un bref passage en usine à Paris, Texas… qui l’a décidé a déménager à Atlanta pour étudier la photo et devenir assistant à New York avant de s’installer à Portland, Oregon où il a installé son studio en 1996.

Si sa série Nobotty met en scène des robots hobos, une drôle de mise en abîme de la modernité en temps de crise, Field trip est plus prend un délire sur les défis d’être une créature des bois. Son canard colvert a besoin d’un peu d’aide pour voler et un jaseur de Bohème besoin d’être entendu,  il a donc bricolés des gadgets pour les aider.Cette série a été inspirée par sa fascination pour les dioramas de l’ère victorienne où la taxidermie semblait se fondre en quelque sorte dans un projet de sciences naturelles. Chaque image est créée entièrement à huis clos, tous les accessoires et les décors réalisés dans son studio dans le Sud de Portland. Les animaux ont été achetés sur Ebay.

Un univers original et décalé à découvrir ci-dessous ou sur son site

et sa série ; field guide

Né en 1938 à New York, Melvin Sokolsky fut une figure importante sinon incontournable dans le renouveau de la photographie de mode depuis les années 1960. Il n’avait que 21 ans lorsqu’il a commencé à travailler pour Harper Bazaar pour qui il réalisa sa série  » Bubble « , montrant des mannequins flottants dans les bulles géantes en plastique transparent suspendu dans les airs au-dessus de la Seine à Paris. Suite à celle ci il réalise une deuxième série tout aussi « aérienne » : Fly.

Parallèlement à sa collaboration régulière avec Bazaar, il a également travaillé pour des publications telles que Vogue et le New York Times.Ce qui est particulièrement impressionnant c’est la modernité photographique, on est presque surpris d’apprendre que ce sont des photographies des années 60, et souvent ce sont bien plutôt les robes des mannequins qui nous le rappellent. En effet, c’est grace a un minutieux travail de retouche des négatifs que Sokolsky produit des images magiques, iréelles, oniriques qui appartiennent à hier, aujourd’hui et demain.

Tom Ryaboi propose une autre approche de la photo urbaine, la ville vue d’en haut, vue des toits…

Selon lui « il n’ya pas de meilleur endroit pour observer comment cette grille fonctionne qu’à partir d’un endroit élevé dans le cœur de la ville. » En dépit du fait qu’il aie grimpé sur des dizaines de toits du centre-ville, chaque fois il c’est « comme si c’était la première fois » comme si le temps semblait ralentir la haut…

C’est aussi selon lui un desir « d’être en haut lieu et de voir au loin l’horizon …. Nous avons toujours voulu voler, gravir les plus hautes montagnes… Bien qu’il puisse être soutenu que la peur des hauteurs est rationnelle, surmonter ces craintes nous permet de sentir que nous sommes sur le toit du monde »…

Au delà de ses photos depuis les toits, c’est aussi un très bon photographe urbain dont vous pouvez découvrir les photos et photomontages sur son site blursurfing

L’artiste finlandaise Erno-Erik Raitanan a produit ces œuvres d’art en utilisant un moyen des plus inhabituels… si je vous dit que la série s’appelle « Bacteriograms » vous commencez à comprendre… Raitanan explique que ces images ont été créées en cultivant des échantillons de bactéries sur un film négatif couleur. Il décrit son processus :

Comme le nom « Bacteriograms » l’indique, cette série est plus proche de photogrammes que des photographies. Ces images sont faites sans appareil photo, en cultivant des bactéries sur la surface de la gélatine des négatifs, utilisant un procédé similaire à celui utilisé dans les laboratoires pour cultiver des bactéries sur une gélose en boîtes de Petri. Avec ce travail que je veux soulever des questions sur la représentation et la réalité, la nature et la place de médium photographique dans la société contemporaine.

J’ai rassemblé les échantillons de bactéries de mon propre corps. Les bactéries ont « consommée » la surface du film, la production d’images photographiques est entièrement le fait du hasard. Je me suis retiré du processus, mais, dans le même temps, les images sont un produit de mon corps : ce sont donc des auto-portraits.

Au délà de la curiosité technique et scientifique, son travail est un renouvellement de la création en utilisant le medium pellicule non plus comme une support de représentation d’une réalité mais comme outil de création de celle ci…

A découvrir ci-dessous ou sur son site internet

L’histoire des Fées de Cottingley commencent en 1917 quand elles apparaissent dans une série de cinq photographies prises par Elsie Wright et Frances Griffiths, deux jeunes cousines ​​qui vivaient dans Cottingley , près de Bradford , en Angleterre. Les photos ont attiré l’attention de l’écrivain Sir Arthur Conan Doyle , qui les utilisa pour en illustration d’un article sur les fées dans l’édition de Noël de 1920 pour The Strand Magazine .

En temps que spiritualiste, Conan Doyle fut particulièrement considérant ces photos comme une preuve claire et visible de la psychique des phénomènes. La réaction du public fut elle plus mitigée… certains pensant qu’elles avaient été truquées… Si l’intérêt pour les fées de Cottingley a graduellement diminué après 1921, elles ont continué à nourrir l’imagination du public jusqu’à ce qu’en 1966, un journaliste du Daily Express journal retrouve Elsie. Celle ci laissa entendre qu’elle avait photographiées ses « pensées », et les médias une fois de plus se sont intéressés à l’histoire. Ce n’est qu’au début des années 1980 Elsie et Frances ont admis que les photos avaient été truquées à l’aide de découpages en carton de fées copiées d’un livre pour enfants populaire de l’époque.
Mais Frances a continué à affirmer que la photographie cinquième et dernière était authentique.

A l’occasion d’un petit week end à Barcelone, j’ai eu l’occasion de passer sur la Plaça Catalunya, la place de Catalogne à Barcelone… un peu l’une des grandes places de la ville et surtout un grand lieu de passage touristique (puisque celle ci marque le début des « Ramblas », un passage incontournable (mais pas inoubliable) de la ville. Sur cette place, les pigeons sont habitués à la présence humaine, habitués surtout à être nourris par les touristes…. et du coup ce sont véritablement des centaines de ces volatiles qui viennent là, qui vont jusqu’à se poser sur les bras de ceux qui leurs donnent des graines…une véritable marée grise qui bougeait en fonction des enfants qui courraient pour les faire envoler… et de ceux qui les nourrissaient.

Armé d’un 16-35, j’ai pris quelques photos en noir et blanc de ces volatiles dans un esprit « reportage »… au plus près des sujets, et de leur envol final impressionnant.

Comme d’habitude : cliquez sur l’image pour voir les photos en grand

C’est en 1904 que Léon Gimpel rencontre les frères Lumière et leur invention : l’autochrome. Cette technique impose un long temps de pose, limitant son utilisation à des sujets statiques. Celui ci modifie le procédé et parvient à réaliser des instantanés en couleurs. Il devient ainsi le seul photographe réussissant à reproduire les scènes colorées de vie à la Belle Epoque. Il collabora au journal L’Illustration et réalise des reportages pour la presse. C’est un initiateur de la vulgarisation scientifique par l’image : il a photographié, en couleur et en noir et blanc, au début du xxe siècle, la naissance de l’aéronautique, les ballons, les dirigeables, les meetings aériens, mais également l’évolution de l’éclairage de Paris (avec les néons). Il a aussi photographié des champignons (hors de leur environnement naturel) pour en faciliter l’étude et des vues au microscope de végétaux, etc., tout ceci à des fins de vulgarisation scientifique. Son travail a été l’hôte d’honneur de la galerie photographique du musée d’Orsay.

En 1915, il se lie d’amitié avec un groupe d’enfants du quartier de la rue Grenata à Paris qui avaient créé leur propre« armée ». Il a commencé à leur rendre visite régulièrement le dimanche, les aidant à construire leur arsenal avec tout ce qui était à portée de main, donnant des directivesde mise en scène et enregistrant les « triomphes » de l’armée sur l’ennemi du moment : « le Boche ».

Les fans de star wars qui sont souvent les même que les fans de légo, en même temps ils ont la plupart du temps grandit avec ces deux élements, vont pouvoir se réjouir grâce à Avanaut…. en effet, celui ci à posté sur son flickr une série de photos de légos star wars dans des reconstitutions fidèles… une série particulièrement réussie !

Benedetta Bonichi, est une photographe italienne née à Rome en 1968 visiblement passionnée par les squelettes, et va utiliser les techniques médicales de la radiographie aux rayons X pour mettre en scène ses modèles et ses chimères. Au delà d’un détournement de l’imagerie médicale à laquelle elle apporte une dimension artistique elle métamorphose le corps de ses sujet jusqu’à sa série sur les chimères , L’une des grandes difficultés a été de produire de grands formats avec une technique (la radiographie) qui ne le permettait pas. Les radiographies médicales ont dû être photographiées pour permettre un agrandissement conséquent (en général de l’ordre de 2,50 m de haut) puis imprimées sur papier ou sur tout autre support préparé.

Elle utilise et détourne une fois encore les codes de la peinture et notamment ceux de la séduction dans la peinture, mettant en scène des femmes mais radiographiées. Plus complexe, plus radicale ausis sa série qui met en scène des chimères apporte un aboutissement à un processus mêlant des codes positifs (séduction, femmes) et plus morbides (squelette, pathologie, mélange avec des squelettes d’animaux).

A découvrir ci-dessous ou sur son site : http://www.toseeinthedark.it/

Andy Pulmer, comme son nom ne l’indique pas est un talentueux photographe russe aux images très travaillées et très bien mises en scènes. Celles ci se caractérisent par des montages qui intégrent dans ses photos, des formes 3D, avec un rendu surréaliste intéressant. A découvrir ci-dessous ou sur son deviantart

Il a imaginé un futur abandonné par l’humanité, seulement peuplé de squelettes d’animaux géants qui semblent être figés dans une éternelle attente. Il, c’est Marc Da Cunha Lopes dont les rêves hantés ont donnée naissance à sa série »Vertébrés ». Cet artiste français a sans doute été insipiré par ses années d’étudiant en biologie, même si depuis son travail s’est plus orienté vers l’illustration d’oeuvres de science-fiction et de livres d’horreur. Pendant ses études à Paris, il a découvert un «endroit secret» dans un des départements de sciences de son université.

« C’est là où ils gardent squelettes anciens et les animaux empaillés. Les élèves les ont utilisé pour étudier l’anatomie des animaux ». Da Cunha Lopes était ami avec le gestionnaire de ce paradis pour taxidermiste et a pu installer un petit studio et de prendre ces photos.

Bien que les squelettes apparaissent géants, c’est tout le génie sa post-production : « La plupart des gens pensent que ce sont des squelettes de dinosaures, mais ce ne sont en fait que les squelettes d’animaux tels que des chats , des singes et des oiseaux. »

Les lieux quand a eux ont été pris lors de ses voyages autour du monde. « Le projet n’était pas prévu lorsque j’ai commencé à voyager, mais je voulais juste mettre en scène quelque chose d’étrange dans ces endroits. Tous ces lieux avaient des traces de vie humaine, mais ils ont été abandonnés ou sont tout simplement vides.  »

L’intégration des squelettes demande un véritable travail : « Il faut environ une semaine pour retoucher une image. La partie difficile est d’assurer une bonne intégration, pour s’assurer que la lumière, les ombres et les volumes de tous correspondent. J’ai choisi les squelettes des animaux pour s’adapter à chaque emplacement. Par exemple, celui qui monte les escaliers était déjà perché sur une branche. J’ai essayé de le faire revivre.  »

Est ce la fin des programmes spatiaux de la Nasa, je ne sais pas mais la très belle série du photographe Neil Dacosta intitulée “Astronaut Suicides” semble y faire écho.. Sa  mise en scène originale et sobre d’un astronaute tenté de se suicider et qui se retrouve dans des situations inattendues est une réussite. Il y a là comme la mélancolie d’un rêve perdu.