Depuis quelques années, le rétro a fait son retour dans les comics… avec certaines aventures de Hellboy, puis The Goon… avant les versions « noires » des héros marvel. Pourtant le dessin façon pulp n’a jamais été aussi bon selon moi que sous le crayon de Francesco Francavilla.  C’est le dessinateur de la nouvelle série consacrée à la Panthère Noire, Black Panther The Man Without Fear, publiée à la suite du crossover Shadowland impliquant Daredevil et d’autres « street-level heroes » (Iron Fist, Luke Cage, Spider-Man, le Punisher…), mais il a surtout fait des couvertures pour différentes écuries du comics, de marvel, DC à Dark Horse…

Un talent incroyable, mis au service de tout un tas de super héros… a suivre ici entre autres

il y a même un hommage à Tintin

j’ai particulièrement craqué sur sa série Batman 1935… que des illustrations, mais ça donne envie qu’il en fasse une bd !

C’est du tout bon !

Christophe Lannes alias Yop!, est un dessinateur français qui détourne, le temps de quelques cases, parfois plus de bd franco-belges mais qui parfois s’aventure aussi à croiser Asterix avec le manga ou les x-men avec Hergé, une liberté de ton bienvenue, jamais méchante, toujours imaginative, un « what if » qui donnerait presque envie qu’on aille y voir plus loin…

Animateur BD, médiateur et formateur au sein de l’association Bédéastes Imageurs,  Yop! a très tôt dessiné, comme tous les gamins. Il aurait, selon la légende, appris à lire à l’aide de dessins de sa maman. Dessins sous lesquels étaient apposés les mots correspondant. Ainsi, la tortue (le mot et une représentation graphique de l’animal) allaient s’entremêler dans sa tête pour le pervertir à jamais !

Vous pouvez retrouver ces différentes oeuvres de façon plus approfondie sur le blog mooloozone, car ce ne sont pas que des couvertures mais des histoires complètes !

Ben Templesmith fait partie de cette école australienne du comics qui nous a livré ces dernières années quelques trucs bien barrés, de Tank Girl a Pobot… mais Templesmith avec son trait distinctif et son penchant jouissif pour l’horreur est un créateur à part. Ambiances de fou, couleurs éclatantes, monstres, on n’a pas oublié son travail magnifique sur 30 jours de nuit (premiers tomes) ou bien encore sur Wormwood… On sent qu’encore une fois l’auteur s’est fait plaisir même si après les vampires et les zombie il change de registre … ou plutôt d’espèce…voire… d’espèces au pluriel.

Le personnage central est un psychopathe, Raymond Delgado qui rayon folie est chargé, la faute a une enfance pour le moins traumatisante, suivi d’un engagement dans l’armée.. avant que ses multiples psychoses ne le fassent enfermer. Une fois de trop, Delgado a décidé de mordre un bout de son compagnon de cellule, une fois de trop il a tué… Il va donc être transféré dans le terrible pénitencier d’État appelé Hoxford avec un groupe d’autres pervers aux goûts varies : nécrophile, pédopile, cannibale… Bref, on enferme ensemble tout les plus cinglés dans une ultra prison aux mains d’une étrange corporation russe, le système se débarrasse de ses plus ingérables pensionnaires en les stockant là bas… Lorsque le Docteur Jessica Ainley demande au directeur d’Hoxford la permission de voir Delgado, son patient, elle se heurte à un refus malsain. A force de vouloir se heurter à ce système elle va découvrir que cette prison est un enfer bien pire que les autres… et pour cause, les matons… ne sont pas tout à fait ce qu’il semble, surtout lorsque la lune est pleine.

Monstres contres monstres, mais pas seulement car sous la lente mis en place de l’histoire et avant que la chasse ne commence, c’est la folie de son personnage et l’univers carcéral qui font « le mal » plus peut être que les monstres, entre animalité « naturelle » et animalité « sociale ». si cette œuvre est assez courte, elle est aussi dense et si l’histoire se lit asse vite elle est riche en symboliques. La « simplicité » apparente de son histoire,dans son déroulement (pas de surenchère gore, les scènes brutales sont fortes mais ne sont pas le centre de l’histoire) permet à l’effroi d’être plus rampant, plus malsain, les scènes choc ou choquantes ne sont pas le fond de commerce d’un Templesmith qui rend Delgado aussi sombre que solaire.

Fou, c’est absolument sûr, mais pas « pervers », une humanité abimée, tordue, capable d’une forme étrange et sincère de caritas, de compassion sincère pour son médecin, la seule qui a chercher à lui apporter un peu de cette humanité, de cette gentillesse que la succession de traumatismes que fut sa vie ne lui a jamais permis de connaitre. On ne peut pas vraiment parler d’amour, pas au sens normal ou habituel du terme et pourtant dans cet univers crépusculaire, carcérale et malgré la mort et le sang, il y a comme une lumière qui émane de lui, qui émane de cette histoire si sombre.

Les dessins alternent entre ténèbres et jaillissements de couleurs, comme toujours chez Templesmith, les gueules sont fortes, et le mélange de dessin et de peinture qui fait son style marche ici a merveille, car peut être plus que dans ses premières oeuvres, le trait est plus travaillé, plus net et c’est peut être là aussi bien du point de vue graphique que du scénario son oeuvre la plus aboutie. Malgré l’horreur, malgré la folie de son personnage, on s’attache à lui… un beau tour de force.

Petit bonus, le fan film d’une vingtaine de minutes inspiré de cet album… une réussite visuelle de très grande qualité que l’on doit au français Julien Mokrani

Welcome to Hoxford, the fan film par JulienMokrani

Le nom de Mike Mignola est il à lui seul la caution d’un bon livre…. cette fois encore, je dirais plutôt oui, mais il n’est pas le seul à l’origine de la réussite de ce premier tome des aventures de Lord Baltimore puisque Lord Baltimore est d’abord un roman écrit par Christopher Golden, Mignola se contentant dans un premier temps de l’illustrer. Par la suite, ils ont travaillé ensemble à son adaptation en comics avec Ben Stenbeck au dessin.

On retrouve avec un certain plaisir l’univers de Mignola, pas si éloigné de celui de Hellboy quand bien même le héros est ici plus humain et confronté à une menace moins apocalyptique, mais tout aussi terrible, celle des vampires.

1916. Un étrange mal décime les populations et a mis fin à la Guerre. Mais on peut difficilement s’en réjouir puisque les villages sont l’un après l’autre atteints par la maladie, et que, pour couronner le tout, les hommes doivent faire face à une invasion de vampires, plus mortels encore que le virus.

Lord Henry Baltimore était dans les tranchées, et aujourd’hui il traque sans relâche un vampire en particulier. Sans doute le plus dangereux. Leurs destins sont irrémédiablement liés, et pour avoir une chance d’en finir avec la culpabilité qui le ronge, tout en calmant sa soif de vengeance, il doit le retrouver.

Du point de vue de l’histoire ce premier tome est une agréable mise en bouche, même si elle reste un peu cela, une première bouchée qui donne envie de goûter au reste du plat. S’il n’a pas l’ampleur « biblique » d’un hellboy, Lord Baltimore reste un personnage fort, à la fois parce que son humanité, même atteinte par la guerre et la malédiction qui pèse sur lui le rend tout aussi tragique qu’héroïque, mais aussi parce que l’humour de son cousin laisse ici la place à quelque chose de plus subtil entre désespoir et destinée. On reste dans un univers de sorcellerie, de vampires et de monstres, on aura même l’impression de retrouver quelques personnages ou créations des albums du BPRD… mais pas de redite, ici il ne s’agit pas de sociétés secrètes qui cherchent à transformer le monde, mais d’un monde transformé par la guerre, par une maladie, une peste qui ronge les âmes autant que les chairs. Sombre et violent, ce tome ne vous en réserve pas moins quelques scènes de combats dantesques, l’imagination des auteurs et le dessin de Stenbeck apportent à celles ci des planches splendides.

Parlons du dessin justement… Pas si éloigné de celui de Mignola tout en étant plus « classique », Stenbeck impose peu à peu sa patte à l’univers mignolesque. Les visages sont bien reconnaissables, et le trait durant les scènes de bataille est dynamique. Les couleurs sont un peu à l’avenant de l’histoire, plutôt sombres malgré des surgissements de rouges, sanglants… Certaines planches sont vraiment impressionnantes et se rapprochent de celles qu’on aime chez le « maître » mais ont réellement leur personnalité.

Un univers mignolesque, des personnages et une histoires plus sombres, un dessin avec une vraie personnalité, ce premier tome de Lord Baltimore convainc définitivement, et apporte une nouvelle pierre à l’édifice d’un artiste qui renouvelle ici son univers, mon « Cthulien », plus humain…

Giorgio Comolo est un illustrateur passionné par les super héros depuis son enfance… en grandissant, cette passion ne s’est pas atténuée bien au contraire et au delà des inspirations d’artistes tels que John Romita, Gil Kane, Gene Colan, Steve Ditko et Jack Kirby C’est aussi l’univers européen des Moebius, Caza and Jimenez qui l’a aidé a créer son propre style, entre super héros, hommages à Lovecraft ou au cinéma (Alien), de Little Némo aux comics marvel et DC

A découvrir ci-dessous ou sur son site

Le croisement des univers de Little Némo et d’Alien est particulièrement génial

Litchi Hikari Club d’Usamaru Furuya est une œuvre plutôt extrême, surtout au vu de ce que les éditeurs français nous proposent généralement… même si les édition IMHO sont un peu plus aventureuse en ce domaine (publiant notamment  » Bambi  » – rien à voir avec Disney – ou les manga de Junko Mizuno. Usamaru Furuyama est un dessinateur prolifique aux styles multiples : » L’Âge de la déraison « ,  » Le Cercle du suicide « ,  » La Musique de Marie  » chez Casterman ou  » Tokyo Magnitude 8  » chez Panini.  Pour cette histoire, son trait est noir et détaillé, tout en restant froid dans sa composition, car l’histoire, adaptée d’une pièce de théâtre underground japonaise l’y incite.

A l’origine, le  » Litchi Hikari Club  » n’était qu’une bande de jeunes garçons qui se retrouvaient dans un lieu secret (une usine abandonnée) afin de jouer dans un monde imaginaire. Pourtant sous l’impulsion d’un de ses membres devenu leur chef, tout va virer au gore. Adepte de l’esthétique nazi, Zéra et sa bande vont commencer à malmener un camarade de classe dont le tort a été de s’approcher un peu trop de leur repère. Chacun va donner à son tour, son idée en matière de torture afin de se débarrasser de ce gêneur : lui brûler les yeux, lui couper la bite, effectuer des expériences en le congelant et le réanimant, le lyncher ou même le chatouiller à mort… Une adulte a vue la scène, leur professeur d’histoire. La jeune femme  capturée, attachée va subir à son tour la vindicte de ces collégiens et s’ils vont lui arracher ses vêtements ce n’est pas pour  se rincer l’œil mais pour se moquer, dénigrer ce corps d’adulte. Ils annoncent ainsi leur rejet de ce monde adulte qu’ils considèrent avec horreur et dégoût, les adultes étant pour eux des êtres vils, voir des sous êtres… Après le massacre de celle-ci le groupe s’attelle enfin au grand oeuvre imaginé par leur chef, la construction d’un humanoïde robot conçu notamment pour capturer de jolies jeunes filles. La particularité de cette machine est qu’elle fonctionne aux litchis rouges…. Si au début celle ci nécessite quelques perfectionnements (elle ramène ce qui ressemble à une fille mais ne sait pas « détecter » la beauté…) une ultime re programmation va lui faire ramener Kanon, la belle jeune fille qui va provoquer l’éclatement final. Une étrange histoire d’amour va en effet faire déraper leurs projets en même temps que les tensions dans le groupe vont s’exacerber jusqu’à la folie sanguinaire.

Le côté malsain et gore de l’histoire et des mutilations participe pleinement de la nature grand guignolesque de l’histoire, le graphisme renforce le sadisme qui émane des personnages, notamment leur Chef Zéra, le plus intelligent, mais aussi le plus paranoiaque d’entre eux… Le mélange entre la froideur du trait et la violence de l’histoire, le côté  profondément dérangeant des relations (sexuelles, amoureuses) entre les personnages font de cette œuvre un livre pour lecteur avertit. C’est outrancier et décadent, c’est malsain et graphiquement très recherché.. c’est un croisement entre le manga d’horreur et le théâtre de l’absurde qui donne à terme à ce livre son statut de chef d’œuvre barré. Car au delà de la violence visuelle et de la perversité des actes, c’est la folie voulue de ce huis clos qui apporte à tout cela une dimension supplémentaire. Le grand guignol n’est pas juste du gore, c’est une mise en scène de l’amour, la folie et la mort.

Si aujourd’hui Batman est devenu le sombre héros de l’amer qu’on connaît, il était encore assez fun il y a quelques décennies, assez en tout cas pour qu’on l’imagine se balader dans l’espace (et dans le futur) dans une aventure appelée « Batman In The Future! ». Cette aventure imaginée par Bob Kane imagine aussi de nouveaux vaisseaux pour le vengeur masqué notamment un espèce de jet-fusée comme on en voit en couverture… Mais ce n’est pas la seule surprise de cet opus, puisqu’on y croise un descendant du Joker qui a basculé du bon côté de la Force… et qu’on reconnait Batman (enfin qu’on l’identifie comme étant le vrai Batman… à ses pores du visage (si si..)

Une histoire totalement étrange, une curiosité à (re)découvrir ici

L’histoire fit grand bruit en son temps… mais c’est passé relativement inaperçu chez nous… En 2003, un auteur de comics imagina « réssuciter » Lady Di en mutante (ou comme mutante dans les x-men) dans une histoire d’une variante des x-men : x statix… Le New York Times parla même d’ »une idée cynique des médias, déguisée en spin-off criard de X-Men ».

Ce numéro devait s’appeler « Di Another Day » (aucun rapport avec le titre d’un James Bond einh), jeu de mots peut être un peu trop « noir », suffisant en tout cas pour provoquer la colère du Daily Mail et d’une partie de l’establishement britannique.

Peter Milligan devant la levée de boucliers dû finalement reculer… et remplacer le personnage de Diana… par un autre, comme on peut le voir sur cette image

Ce qui est assez étonnant, c’est le nombre d’histoires qui, dans les années 60-70, mirent en avant de façon disons décalée, voir parfois négative Lois Lane par rapport à son Clark Kent/Superman… des histoires disons… loufoques. Il faut dire qu’elle eu même sa série pendant un temps… dont est tirée par exemple cette histoire qui inverse les rôles : Dans Lois Lane #47 (1964), c’est elle et non Clark qui vient de Krypton…

Dans ce même comics mais le Superman’s Girlfriend Lois Lane #26, c’est un autre genre de problème qui se pose… Lois est frappée tenez vous bien par un le « rayon engraississant » d’un scientifique fou… et elle connaît donc un problème de surcharge pondérale plutôt sévère…

Cette situation poussera même le superhéros à se conduire comme un (connard) goujat… en l’ignorant « pour ne pas la déranger » lors d’un mariage… Bon ok on était en 1961 et la finesse n’était peut être pas le fort du scénariste

Mais elle n’est pas au bout de ses peines la faire valoir… Dans une autre histoire, Lois découvre dans son placard l’habit de « reine insecte » et l’anneau bio-générique de  Lana Zingers qui avait reçu ces artefacts en remerciement du sauvetage d’un alien insectoïde… Et bien évidement notre chère Lois va donc se transformer… en insecte géant

Dans le genre il y a même eu disons des « dérapages ». Ainsi dans une aventure, en se baladant dans « little Africa », un quartier de Metropolis, elle se voir traitée d’ennemie parce que blanche. Elle va donc demander à Superman de changer la couleur de sa peau pour une jourée avec son « Transformoflux », afin de mieux comprendre ce que c’est d’être « dans la peau d’une black »… ça flirte avec le borderline…

Ainsi que vous avez pu le voir, la pauvre Lois Lane connu dans sa jeunesse bien des péripéties et des transformations qui ne manqueront pas de nourrir les réflexions sur la vision de la femme dans un comics sur un homme tout puissant dans les années 60… Enfin moi je dis ça…

Il y a des bd qu’on a longtemps pensé lire et puis pour des raisons… variées on a jamais eu l’occasion de le faire… Et le jour où on le fait on découvre un chef d’œuvre, un coup de cœur… Le capitaine écarlate fait partie de ces livres.

Commençons par le dessin, à la fois classieux, personnel,  et élégant..mélange de couleurs directes, d’aquarelle et des craie. Le résultat est d’une beauté envoûtante et d’une simplicité redoutable… Emmanuel Guibert a un talent époustouflant et dans ce livre c’est un talent de maitre qui s’exprime. Comme d’habitude avec David B., le scénario est tout simplement excellent, mélange de culture, d’imaginaire, d’émotion, toujours des niveaux multiples et un hommage magnifique à Marcel Schwob.

Si ce nom ne vous évoque certainement rien, il a pourtant vraiment existé : Schwob est un érudit, un rat de bibliothèque, mort à 38 ans, après une  vie totalement dédiée aux livres et à l’écriture. Son univers est peuplé des personnages imaginés par d’autres écrivains, de Villon à Jules Verne, une vie qu’il rêve d’une vie aventureuse comme dans les livres mais qui ne le sera jamais…. Cette vie, David B l’imagine pour Schwob, au travers de sa rencontre avec une bande de pirates à la tête coupée dirigés par un capitaine au masque doré et énigmatique, le tempestaire qui contrôle la météo, fait déferler sur Paris vagues et tempêtes…  Le mystérieux Capitaine Écarlate. Ce sont deux mondes qui se croisent, et qui s ‘opposent, autour d’une femme, autour d’un amour. Deux hommes l’un d’action l’autre de mots qui se battent pour une fille de joie au coeur sensible : Monelle. Entre ces deux là ce n’est pas que la femme mais le pouvoir, l’un par sa thaumaturgie, l’autre par ses mots qui se joue.

Quelque part entre le dix-neuvième et le vingtième siècles, au dessus d’un Paris mythologique, il naviguent dans un bateau volant, contre… l’ennui, la bourgeoisie, les gendarmes, la solitude…  Contre un monde auquel ils sont finalement étrangers. L’argot des pirates, l’onirisme du dessin, l’enquête à la fois fantastique et macabre, tout cela forme un univers où les niveaux de lectures sont multiples… Critique sociale envers une police qui est là pour protéger les riches, auquel s’oppose l’anarchisme du capitaine écarlate, jeu de pistes subtil qui apportent une richesse peu commune à une oeuvre de bande dessinée et place celle-ci parmi celles qui bouleversent, passionnent…

A la croisée d’une illustration début de siècle, d’un trait unique, d’un scénario d’une rare intelligence se trouve peut être le mystère qui donne à ce livre sa richesse sublime. Enfin, la collection Aire Libre avec sa postface sur la génèse de l’oeuvre et une superbe nouvelle de Schwob complète la collaboration de deux créateurs d’exception.

Toujours en quête de bizarreries que le monde de la bd aie pu nous produire, j’ai découvert une nouvelle et étrange parution de 1951 dans laquelle un botaniste maléfique de 1760 conspire pour prendre d’assaut le présent… avec une armée de carottes mutantes. A qui faire appel pour contrer ce fou des légumes ?
Pas moins que Benjamin Franklin et Napoléon Bonaparte !

L’intrigue de ce court comics  « Heroes Out Of Time! » est simple : deux super scientifiques, Anne Rell et Carr Davis utilisent leur machine à remonter le temps pour rencontrer  un botaniste diabolique du 18e siècle, et se retrouvent piégés par une légion de racines pivotantes monstrueuses. Pour se battre contre ce scientifique fou, leur solution est de kidnapper  Ben Franklin et Napoléon, les équiper de
désherbant, et de les lancer à l’assaut de cette légion orange. Une création de Bob Oksner, scénarisée par Manly Wade Wellman,

A découvrir plus complètement sur Atomic Surgery

Si aujourd’hui avec le nouveau film de Steven Spielberg etPeter Jackson, Tintin,  va conquérir de nouveaux publics, il a depuis plusieurs générations conquis les lecteurs francophones… et comme tout grand succès, le héros a connu aussi… un certain nombre de parodies et détournements.

Après les couvertures imaginées de Tintins par Murray Goat et par d’autres... voici donc un nouvel exemple de l’inspiration qu’a apportée l’œuvre d’Hergé aux créatifs et dessinateurs.

L’histoire des parodies de Tintin commence… avec celle des éditions pirates de sa première aventure : Tintin au pays des Soviet. Seul album n’ayant pas été repris en couleurs par Casterman, la popularité des aventures de son personnage poussa Hergé (après une réédition hors-commerce de 500 exemplaires numérotés, en 1969, qui fait écho au 500 exemplaires de la première édition), à attaquer devant les tribunaux.  En 1937 on retrouve une parodie de Tintin dans une petit bulletin hebdomadaire belge « L’ami du Patro » qui transformait quelques vignettes de Tintin au Pays de soviets.

Dans les années 1970,une demande croissante entraina une production d’éditions pirates de qualité douteuse et hors de prix, et Hergé voyant qu’il ne pouvait par les voies légales stopper le mouvement décida de le publier dans les Archives Hergé. Sans succès, les éditions pirates s’améliorèrent et  Casterman dû publier un fac-similé en tout point semblable à l’original en 1981 (qui connu un grand succès pour faire enfin baisser la demande des versions « pirates ».

Si Tintin au pays des Soviets fut le premier, plusieurs autres albums de Tintin furent l’objet d’éditions pirates : éditions en grand format du Temple du Soleil tirées des planches de Tintin, Le Naufrage de la Licorne, reprenant les strips du Soir et des hors-texte en noir et blanc, des planches annotées du Lotus bleu, etc. Un éditeur d’Istanbul publia même vingt-deux petits albums plus ou moins inspirés des originaux, plongeant parfois Tintin dans des aventures pour le moins étranges dans un univers proche de celui de Flash Gordon (source Wikipedia).

Depuis Le Petit Vingtième (dans lequel on invitait les jeunes lecteurs à publier leurs dessins « à la manière d’Hergé ») Tintin fut repris et détourné, les parodies sont devenues un véritable univers parallèle.. Depuis  « Les Aventures de Tintin et Milou au pays des nazis » publié dans l’immédiat après guerre à l’Internationale situationniste qui en 1972 qui réalisa des parodies conservant le dessin original mais modifiant les textes : « Le Capital aux pinces d’or » et « La Route du Soleil ».

Cette pratique n’est pas qu’européenne puisqu’en 1980, le magazine satirique américain National Lampoon a publié une parodie intitulée Tintin in Lebanon et diffusée en France dans le magazine Rigolo, où Tintin est invité par le vice président américain George Bush à lancer un missile nucléaire sur Beyrouth…

Nombre d’auteurs ont rendu aussi hommage à leur façon, de Cabu à Moebius et Wolinski mais c’est surtout avec  » La Vie sexuelle de Tintin » de Jan Bucquoy qu’on entre dans le domaine de la parodie. De Tintin en Thaïlande, à Breaking Free de J. Daniels  (dans lequel Tintin devient un activiste d’extrême gauche) ou au travail d’Exem (qui se distingue par la qualité graphique et scénaristique) : Zinzin maître du monde et Le Jumeau maléfique (Éditions Tchang, Genève 1984). La palme revenant tout de même à Harry Edwood dont les planches de La Voie du lagon sont capables de mystifier bien des lecteurs.

Si de façon générale on connait la fondation Hergé pour son zèle procédurier parfois jusqu’à l’absurde, c’est en 1999 qu’elle a su surprendre en autorisant pour le festival d’Angoulême et le 70e anniversaire de Tintin, la parution d’un pastiche de Didier Savard, intitulé Objectif Monde. Cette courte histoire de 24 planches est riche en références historiques et l’univers d’Hergé dans son entier est exploité au fil des pages avec subtilité. La qualité de l »intrigue et du dessin participèrent au succès de cette œuvre.

En février 2011, la revue d’art Collection publie sur son blog officiel un détournement de l’album Tintin au Congo sous le titre Tintin au Congo à poil1. L’album y est repris intégralement avec un unique changement : Tintin est représenté nu durant toute l’aventure, portant seulement ses chaussures et parfois un chapeau.

Il faut aussi signaler le succès particulier des postiches de Tintin chez les auteurs québecois. Le côté boy-scout  est parodié sans limiteen réaction à une société québécoise qui fut longtemps plutôt pesante. C’est surtout Yves Rodier qui ouvrit la voie à 17 ans en décidant de finir le mythique récit de l’Alph-art. Son travail est plus proche de la pastiche que de la parodie, c’est à dire qu’il ne se moque pas de Tintin mais l’imagine, ce sera : « Tintin reporter pigiste au XXe » ou « le Lac de la sorcière »,  « Thermozéro » ou « Un jour dans un aéroport ».

Par ailleurs, ce sont des journaux tels que CROC notamment sous le crayon du dessinateur Moerell qui réinventa le plus Tintin. Ainsi, dans un épisode publié en mai 1985, son personnage du nom de Rock Moisan (détective de profession) adopte un look à la Tintin. Il prend le nom de Roch Moisin et on lui colle même un chien qui porte le nom de Tilou… On y croise Madame Castagnette (avec Irma!), le professeur Parassol, le capitaine Hardrock, et le dessinateur se fait plaisir, graphiquement et dans ses histoires délirantes.
Deux albums reprennent l’ensemble ded  épisodes : « Les aventures de Tintin au Québec / Métamorphoses » et « Les aventures de Roch Moisin / Usurpation d’identité ».
D’autres auteurs au travers de Croc publièrent par exemple : « Toto le Bosniaque », « Tintin à Drummondvile » ou bien encore « Couches en Stock » qui éclaire l’invention du nom Tintin … selon son auteur (Caroline Mérola).

Pour plus d’infos sur ces pastiches, il y a un site référence : Tintin est vivant

Voici enfin une sélection des couvertures des parodies de Tintin

[svgallery name="tintin"]

Parmi les déclinaisons des héros de comics celle de Superman dans les pays arabe dans les années 1960, sous le nom de Nabil Fawzi est l’une des moins connues… Un kryptonien qui est essentiellement le même que son homologue américain, mis à part son alter ego et son logo inversé, l’adaptation reste assez fidèle.

En 1964, un éditeur libanais Illustrated Publications (IP) réussit à convaincre DC que le Moyen-Orient était un marché potentiellement viable pour la bande dessinée, voir qu’elle était devenue populaire (et rentable) comme aux États-Unis. Mais au lieu de créer un héros façon Superman pour le public arabe, PI  décida de traduire les aventures déjà nombreuses de  l’homme d’acier… On trouvait alors déjà de nombreuses éditions de Superman (techniquement prononcé « Suberman ») notamment sur le marché égyptien du livre, et c’est aujourd’hui ce fut « logique » pour  270.000 enfants arabes de le lire en arabe sous cette nouvelle « identité ».
Alors que jusqu’en 1964 on trouvait surtout de la littérature en anglais ou en français le choix d’IP de traduire les bd en arabe trouva un écho très important. Et Superman ouvrit la voie.
Nabil Fawzi, journaliste à « Al-Kawkab Al Yawmi fur rejoint un peu plus tard par un homme appelé « Sobhi» et un jeune garçon appelé « Zakkour», qui, la nuit est devenaient Batman et Robin. The Lone Ranger, (connu dans ces parties que la « Masked Rider, »), ,mais aussi «Tarzan», et, plus récemment, «Le Flash» connurent eux aussi une adaptation.

Ce fut avant tout en convaincant que travailler avec un éditeur sérieux limiterait le piratage de leurs licences qu’IP sût convaincre DC. Afin de convaincre d’un autre côté les parents de ses jeunes lecteurs qui craignaient que les valeurs des ces héros costumés ou masqués ne soient pas convenables, l’éditeur ajouta 8 pages de jeux. La concurrence (notamment celle d’un disney Mouse) ne pu atteindre les succès des Superman, Batman ou Tarzan… Ce furent enfin les nationalistes qui considéraient que la richesse de la tradition aurait dû suffire plutôt que de traduire des comics… mais le coût d’une création originale était trop important pour qu’un marché se créé.

Le sens de la lecture arabe (de droite à gauche) obligea aussi l’éditeur à inverser les plaques d’impression d’où le S inversé du sigle de Superman.
Aujourd’hui ce sont 2.600.000 exemplaires par an qui sont distribués dans 17 pays.

Ces couvertures sont celles de Tintin qui n’ont jamais existé ailleurs… que dans l’imagination de leurs créateurs. Hommages, pastiches, détournements, il y en a vraiment pour tous les goûts, du plus détourné au plus provocateur, une sélection que vous pouvez retrouver avec plein d’autres sur ce blog :

une petite mise à jour :

Nouvelle mise à jour :

d’autres à venir…

Au rayon des bizarreries « Save me from the weed » des deux maîtres Stan Lee et Jack Kirby, paru en 1962 dans le « Strange Tales #94″ est sûrement bien placé… L’histoire raconte la prise de conscience et la volonté de domination mondiale qui s’en suit d’une pelouse bombardée par de la poussière radioactive… c’est fantastique de simplicité au niveau du scénario et visuellement… aussi : la pelouse irradiée se voit pousser des buissons en guise de sourcils qui lui donnent un air diabolitque, les pouvoirs psychiques du végétal font le reste…

Voici les trois premières planches de ce comics improbable, le reste est visible sur ce blog :

Le charme des feuilletons du début du XXe siècle associé à un Paris uchronique, un personnage mystérieux que l’on prend pour un grand criminel, l’univers d’Olivier  Supiot se nourrit de ces personnages mythiques de la littérature et du cinéma : une pincée de Frankenstein (le scientifique maudit et sa création), le Fantomas de Feuillade (le criminel mystérieux), jusqu’à Red Richards des 4 fantastiques pour… son élasticité…

Avec autant de célèbres ascendants on aurait pu craindre que l’accumulation de stéréotypes ne donne pas au personnage un caractère propre, pourtant Marmelade a sa propre personnalité, même si on pourrait peut être regretter qu’elle ne soit pas plus approfondie dans le livre…. mais l’essentiel est peut être ailleurs.

Olivier Supiot nous livre ici une magnifique BD aux couleurs éclatantes, couleurs qui donnent à ses planches une personnalité et une puissance visuelle qui font une bonne partie du charme de cette œuvre. A la ville des couleurs jaunes ou ocre, a Marmelade un vert singulier, le choix des couleurs définit presque la personnalité des éléments, lieux ou personnages.

Si le trait est plutôt simple pour les personnages, le pinceau de Supiot offre des cases et des pages splendides, un dessin presque impressionniste… l’hommage est même appuyé lors de certains passages (comme celui où un personnage parle d’un déjeuner sur l’herbe, référence au tableau de Monet…

En même temps que sa ville véritable 3e personnage principal, cet univers steampunk où se croisent cheminées industrielles, zeppelins et patrouilles volantes de police permet à l’auteur de renouveler le côté France de 1900, d’ajouter à sa structure feuilletonnesque le charme d’une sf un peu rétro.

A terme, si le livre se lit peut être un peu vite, et manque un peu de profondeur parfois, il offre un vrai plaisir visuel et on se prend à imaginer qu’il pourrait s’agir d’un premier tome d’un personnage récurrent que l’auteur approfondira par la suite, l’univers et l’histoire s’y prêtant particulièrement bien.

Enki Bilal c’est celui qui a fait naître en moi le goût de la bande dessinée « adulte ». Astérix, Tintin, Gaston… ont été les premiers, mais Bilal c’est le coup de foudre, une dimension à part, un univers unique qui me parle et me fascine… Et si depuis ma bibliothèque s’est ouverte à de nombreux autres volumes, les œuvres d’Enki Bilal restent un répère sûr… Alors la sortie d’une nouvelle œuvre de ce dessinateur phare de la bd française, qui plus est dans l’univers post apocalyptique météorologique d’Animalz… c’était une évidence.

A l’arrivée… ce Roméo et Juliette façon Enki Bilal ça donne quoi…
Une relative déception. L’adaptation de Shakespeare par Bilal c’est un truc qui se fantasme, le passage à la réalité a été un peu cruel.

Un aumônier en Ferrari solaire recueille deux jeunes hommes (Roem et Merkt) perdus dans ce désert mutant du post « coup de sang » (Roem et Merkt) et découvre avec eux un château fantomatique (un ancien hôtel abandonné, jamais terminé, façon folie moyen orientale) et ses quelques habitants. Dont la belle Julia/juliette . Évidement, tragédie et respect de la pièce obligent Roem et Julia tombent amoureux au premier coup d’oeil, Merkt/Mercutio est tué par Tybb/Tybalt, puis Roem se venge. Et l’ombre de la mort avance sur la passion naissante…

L’idée n’est pas mauvaise, mais trop « légèrement traitée, manquant d’audace, de profondeur et peut être d’originalité.

Pour un auteur qui invente des mondes depuis ses premières cases, celles ci sont un peu trop « classiques », l’histoire restant malgré son origine fastueuse le point faible voir à la limite de la caricature. On n’accroche pas à ses personnages, trop superficiels et poseurs, stars d’un spectacle mort né. Il devient alors plus difficile encore de s’intéresser à la tragédie des amants maudits…

Certes le dessin reste toujours magistral, la touche Bilal est un bonheur  : dessin au crayon sur papier de couleur, les formes et les visages, les brumes et les paysages anxiogènes sont toujours présents. Mais le résultat final manque d’inspiration. Les dialogues en vers, si on en comprend la logique ajoutent à ce montage trop instable qui fait peut être de Roem et Julia le livre le plus faible d’un auteur majeur.

Un chat noir aux prises avec les difficultés de l’existence, qui cherche d’un toit ou un lit voire un peu de nourriture, parfois le monde du rêve ou dans des lieux insolites, c’est le personnage de Félix créé pour le dessin animé par Otto Messmer en 1917 par l’Australien Pat Sullivan et passé en 1923 à la bande dessinée. S’il portait la signature de Pat Sullivan, le personnage était l’idée de Otto Messmer qui revendiqua d’ailleurs la paternité du personnage au décès de Pat Sullivan… Le premier court : Feline Follies (1919) dénotait l’influence graphique et poétique de la version animée de Krazy Kat  et la série connu un succès international tout au long des années 1920. Le déclin vint avec la venue des films parlants américains, notamment Mickey Mouse,

Débrouillard, imaginatif, l’esprit vif,  larmoyant et irascible, le plus souvent agressif, le petit chat traverse les épreuves avec tenacité et illustre avec un petit côté Chaplin la misère des chômeurs, des déshérités, des oubliés de la grande croissance économique américaine des années 20. En cela le personnage de Félix est bien plus « marqué » socialement que d’autres personnages de ces débuts de l’animation. Alors qu’il connait encore un grand succès,  Félix le chat devint aussi un héros de BD dont la première parut en 1923.

Les années 1924-1925 sont les années fortes du petit héros qui s’incrit dans l’histoire de l’entre-deux guerres en portant témoignage de la situation sociale de l’Amérique à la veille de sa crise économique. Au delà d’un témoignage, la BD reste empreinte d’humour, mais aussi de poésie. Il faut attendre les années 1960 sous la direction de Joe Oriolo qui ajouta de nouveaux personnages et de nouveaux éléments, tels que le sac magique de Félix le chat (qui pouvait prendre n’importe quelle forme et se transformer en divers accessoires), ou les ennemis de Félix : le Professeur, savant fou anonyme, généralement accompagné de son complice Rocky la Brute, et un dangereux extra-terrestre nommé « le fort en thème » ou « le maître cylindre » pour revoir le Chat…

Puis en 1995, Félix le Chat revient à nouveau dans une nouvelle série d’animation scénarisée par Bob Koch: The Twisted Adventures of Felix the Cat qui renouait avec le côté onirique présent dans les animés des années 20… Peu de personnages imaginaires, non « soutenus » par une industrie (comme Disney) ont su continuer a exister jusqu’à aujourd’hui, même si la plupart d’entre nous connaissent plus le célèbre chat pour son image que pour ses histoires, il faut pour cela comprendre que celui-ci représente un mélange assez unique de tenacité et fragilité, de poésie et de réalisme social, une créature plus complexe que son nom le laisse imaginer…

Felix en 1919

Puis en 1959

S’il est paru pendant 7 ans (en fait, le dernier chapitre est paru en novembre 2010 dans Comic Beam #12 (un numéro évènement pour ce magazine, vu qu’il a  fêté son 15ème anniversaire à cette occasion) et  11 tomes, Soil n’a débarqué chez nous que l’an dernier grâce aux soins de l’éditeur Ankama. Soil est un manga assez à part dans la production générale japonaise…

La tranquille petite ville de Soil est secouée : une famille a disparu dans des circonstances très mystérieuses. Elle semble s’être évaporée soudainement sans laisser de traces. De plus, de gros tas de sel sont apparus chez eux ainsi que dans la cour de l’école. Deux détectives Yokoi et Onoda vont donc enquêter sur cette affaire hors du commun, mais les indices sont encore extrêmement peu nombreux, au contraire des phénomènes inhabituels qui semblent se multiplier et pour couronner le tout, le comportement de Yokoi envers Onodo est généralement… grossier.

On a avec ce premier tome l’impression de se retrouver pour le côté univers décalé absurde dans un épisode de Twin Peaks de David Lynch. Tout comme dans la série ce n’est pas tant l’histoire que la personnalité de qui va en premier nous accrocher : Onoda est une jeune lieutenant assez coincée et  Yokoi est un homme plus vieux, vulgaire, relativement omnibulé par ses odeurs corporelles…et qui ne sait pas s’empêcher de se gratter les parties lorsqu’il enquête. Les autres personnages de la ville sont eux aussi pas mal lotis, mais c’est surtout cette tension, cette anormale normalité de petite ville parfaite qui rapproche malgré toutes les différences entre ces deux oeuvres, twin peaks et Soil.

Graphiquement, les dessins ne sont en effet pas très conventionnels pour des mangas et se rapprochement plus d’un croisement entre Charles Burns (façon black Hole) et les visages de Geof Darrow (hard boiled). Très peu tramés, des traits noirs et clairs qui donnent une force et une personnalité au manga qui pourrait rebuter ceux qui sont trop habitués au dessin manga classique. Ankama a par ailleurs fait un bon travail d’édition, 230 pages, avec du papier épais, l’objet est lui aussi plaisant.

Entre les différentes pistes, les non dits et le cliffhanger final Soil a un charme bien à lui, qui accroche le lecteur… vivement le tome 2 pour se laisser un peu plus embobiner par les mystères vénéneux de cette petite ville trop parfaite pour être vraie.

Ziggy Marley est un musicien primé aux Grammy Awards, star du Reggae, et fervent défenseur de l’environnement, c’est aussi l’inventeur d’un nouveau comics de super héros écrit par les Studios Joe Casey et illustré par JIM Mahfood : MARIJUANAMAN.

« Marijuanaman représente l’espoir de l’avenir … l’espoir que nous allons utiliser toute la puissance que l’univers nous a donné pour sauver notre planète » explique Marley. Les gènes de Marijuanaman sont fabriqués à partir de THC, il obtient son pouvoir d’une plante en particulier…

Ce roman graphique raconte l’histoire d’un noble champion extraterrestre, qui est arrivé sur terre pour délivrer un important message et en même temps sauver sa propre planète.

C’est l’histoire de Sedona, un étranger qui se rend sur Terre depuis sa planêtre Yelram. Sedona découvre qu’il a une affinité particulière avec la biosphère terrestre. Mais il est confronté à une société maléfique qui veut vendre un substitut synthétique appelé marijuana GanjaRex – et cette société envoie un monstre mortel nommée Cash-Money qui cherche a détruire Marijuanaman et ses amis amoureux de la nature.
L’idée de Marijuanaman est venu d’en apprendre davantage au sujet du cannabis, et le fait que cette plante « a des millions d’utilisations au-delà de fumer», explique Marley. Et il a commencé à se demander pourquoi le monde ne profite pas de cette plante à usages multiples. «C’est un avantage pour l’environnement et moins destructeur que certaines des choses que nous faisons maintenant», ajoute-t-il – par exemple, vous pouvez utiliser des produits dérivés du chanvre en place d’un lot de matières plastiques à base d’huile et d’autres choses.

Donc je l’ai dit, permettez-moi de créer un super-héros. Permettez-moi de créer quelqu’un qui peut apporter une autre lumière sur la plante et le mettre dans une perspective différente.

Sur sa planète le héros est confronté aune crise écologique parce que le THC qui se trouve dans l’atmosphère est en voie d’épuisement. Alors Marijuanaman est envoyé sur un voyage vers la Terre pour trouver une solution, et quand il arrive, « il se sent une connexion avec cette plante. » Il rejoint une communauté qui vit en harmonie avec l’environnement, et lui apprennent à obtenir la puissance de la marijuana – tout comme Popeye avec ses épinards.

Il est très important pour Marley que Marijuanaman obtienne sa puissance de la marijuana sans fumer, même si d’autres personnages dont l’acolyte du héros fument. Par ailleurs le héros est un non violent, même si c’est parfois en contradiction avec l’histoire… Selon son créateur, les sociétés liées au tabac, au médicament ou à l’alcool cherchent à donner une image négative à cette plante et a ses utilisations.

Marley ajoute enfin : « Je veux qu’il soit un héros comme Superman, Batman, ou un de ces gars que tout le monde peut l’aimer, les enfants peuvent l’aimer et pas seulement même s’il est appelé Marijuanaman«