David Luepschen est un génie et je n’utilise pas ce mot à la légère. Ce graphiste et motion designer originaire de Cologne mais installé à Londres manie aussi bien le light painting que le mélange de macro et de vectoriel. Un esprit minimalise qui se rapproche du travail de Laurent Lasserre ou du clip de Minilogue « Animals », des animations fluides et douces au détriment des formes complexes pour un résultat plein de poésie avec HÄRSKOGEN. Un petit film qui n’est pas sans rappeler les créatures de Princesse Mononoké ou les Quarks… Si c’est sa plus récente production, starwars vs startrek, mélange de stop motion et de light painting prouve que le monsieur n’a pas seulement une imagination fantastique, mais aussi un talent dans la mise en scène de films d’animation avec les moyens et techniques actuels.

HAERSKOGEN from David Luepschen on Vimeo.

Starwars V Startrek from LICHTFAKTOR on Vimeo.

Découvrez les autres créations David Luepschen sur son portfolio en ligne.

Autant vous prévenir tout de suite, Gumball a trouvé en moi un fan absolu… est ce le côté foutraque, cinglé, enfantin, ultra créatif, décalé, ou le mélange des techniques d’animation qui m’a convaincu, je ne sais pas… mais je trouve cette série à la fois totalement loufoque et profondément géniale ne serait ce que par la performance technique qu’elle sous entend.
Mélange de dessin animé, de prises de vues réelles, de découpe, d’animation image par image, de 3D… Cartoon Network a eu du nez en programmant cette série qui en plus est l’oeuvre d’un français : Ben Bocquelet., The Amazing World of Gumball, un 40×11 qui a été produit avec l’aide du Studio Soi, de Dandelion Studios Ltd, et de Boulder Media Ltd. Et qui, très bonne nouvelle va avoir une deuxième saison.

Un petit trailer donc

En 1986, les Chinois découvrirent à la télévision un classique du duo d’animation : la  caricature du chat et la souris, Inspector Black Cat, une série animée sur un détective félin intraitable qui a dominée toute la faune… sauf la souris.
Cette série à commencée à une époque où les dessins animés Tom et Jerry étaient très populaires en Chine continentale, en y ajoutant une dimension idéologique qui n’était pas présent dans exactement quête incessante de Jerry pour le fromage. A la même époque, Sanmao était une tentative chinoise pour remplacer Donald Duck. Le spectacle entier est une diatribe pro-chinoise, politique et anti-américaine. L’ultime malfaiteur, le méchant de service est un voleur et le rat ivre, portant  de grands gants blancs, culottes, et un bouton massif à la taille. Fondamentalement, il représente Mickey Mouse. Il est paresseux, corrompus et cupide. Comme l’Amérique…dans l’esprit de la série

Dand un épisode, un aigle enlève des enfants chinois y compris un bébé panda. On entend leurs os se briser dans son bec. Juste au cas où la symbolique de l’aigle n’était pas suffisante, l’inspecteur lui rase le bas – il est maintenant un pygargue à tête blanche! – Et les enfants se moquent de lui. «Vous êtes chauve! » ils rient et l’attaquant avec des chauves-souris…  Chaque épisode célèbre au travers des animaux du dessin animé du village, la beauté des valeurs du parti communiste chinois : le travail manuel pour l’amour de l’économie. La symbolique du chat vient elle même d’une citation de politique économique de Deng Xiaoping « Ce n’est pas grave si le chat est noir ou blanc, pourvu qu’il attrape les souris, c’est un bon chat. »

Un épisode plus tard, montre un enlèvement d’aigle que les enfants de dessin animé de Chine, y compris un bébé panda. Nous entendons leurs os se briser sous son bec. C’est positivement horribles. Juste au cas où un aigle était trop subtile, inspecteur de chat noir lui rase le bas – il est maintenant un pygargue à tête blanche! – Et les enfants se moquent de lui. «Vous êtes chauve! » Ils rient, l’attaquant avec des chauves-souris, et les acclamations de la « Beat! Beat! Beat!  »

Mélange donc de récupération et de propagande éhontée, Inspector Black Cat est une curiosité animée à découvrir ci-dessous et plus largement sur youtube

Patrick Boivin est un réalisateur québecois, dont les animations connaissent un grand succès sur le web qui depuis l’age de 20 ans s’amuse a réaliser des courts métrages, fictions ou stop-motion. Je vous avait déjà présenté son après midi avec un AT AT… Vous allez pouvoir découvrir toutes ses autre productions.

Réalisés en moyenne en 4 à 8 semaines, ses courts métrages utilisent finalement assez peu les effets spéciaux, le fond vert par exemple uniquement pour utiliser ensuite des lieux qui ne pourraient être « bloqués » pendant la durée nécessaire. Pour donner à ses mouvements de caméra leur fluidité il  combine mouvements live et recadrages par la suite. A partir de grandes photos, il peut alors zoomer beaucoup dans l’image et donner un effet de mouvement. Il utilise aussi un trépied avec une manivelle lui permettant de jouer avec la hauteur de la tête assez précisément.

Ce réalisateur autodidacte gère toute la réalisation, la photographie, le montage, les effets spéciaux et parfois la musique mais il s’est aussi fait connaître comme étant l’un des premier a utiliser toute l’interactivité que propose Youtube : un concours de break dance entre le Batman et le Joker, ou son Street Fighter interactif qui vous fait naviguer de pages en pages ou bien encore cette campagne promo où deux ninjas démontent la page !

Il a un temps participé à l’émission Phylactère Cola, une série de Télé Québec qui fonctionnait sur la base de courts métrages très DIY (do it yourself) et qui se démarquait par son originalité et son ton humoristique… je vous en reparlerais prochainement…

Grâce au succès de ses vidéos sur youtube, il réalise aujourd’hui des vidéoclips pour Indochine et Iggy Pop, il a même reçu des offres d’un réalisateur hollywoodien et d’un producteur de télévision anglais.

Black Widow gone Wild

Ninja’s Unboxing

Iron man vs Bruce Lee

Bboy Joker

Youtube Street Fighter

Le Quelounne (le Clown avec François Pinon, un de mes préférés)

Retrouvez tout sur sa chaine youtube : http://www.youtube.com/user/PatrickBoivin

J’ai eu le plaisir d’être contacté par Carlo qui est un lecteur régulier du blog, pour son court métrage « Tango for Jansjo » et aie ensuite découvert son travail… Fan immédiat.
Il a accepté de répondre à quelques questions en relation avec sa dernière création vidéo, merci encore à lui.
Vous pouvez retrouver ses autres créations sur sa page viméo ou le suivre sur son blog

Bonjour, peux tu te présenter en quelques mots ?
Je suis né au Luxembourg, mais j’ai fait la majorité de ma scolarité en France. Après quelques années d’études de théâtre et de cinéma a Berlin, j’ai intégré l’école des Gobelins en 2005. L’été suivant je découvre la stop-motion au cours d’un stage d’été a Bristol. Puis la 3D avec un stage à Framestore à Londres. En 2008 je pars en Californie pour un semestre d’échange avec l’école Calarts, où je réalise mon film de fin d’étude, For Sock’s Sake. Le studio Pixar aime le film et me propose un poste d’animateur, une offre qui ne se refuse pas!
J’ai donc eu l’occasion d’animer les héros de Toy Story 3, du court-métrage de Barbie et Ken, et de Cars 2 qui sort cet été. En ce moment, je viens juste de commencer la production de Brave, le prochain long-métrage du studio.

Comment t’es venue l’idée de la vidéo ?
En cherchant une nouvelle lampe de bureau à Ikea!
J’aimais tout de suite le design de la lampe Jansjo, elle a quelque chose de chic et féminin et arrogant. Je m’amusais a tripoter son cou, a trouver des poses drôles, puis j’ai regarde autour de moi, et je me suis dit: « il lui faut un partenaire! » Le reste du mélodrame est venu tout seul.

Quels softs as tu utilisés ?
J’ai utilise Dragon Stop Motion pour la prise de vue avec un canon Rebel T2i et un objectif de 50mm. J’ai effectue le timing exact des images sur la musique dans istopmotion de Boinx, un excellent logiciel pour un montage simple et rapide d’images individuelles. Tous les effets visuels et la colorimétrie sont faits dans After Effects, qui est mon logiciel préféré du monde entier!
Enfin j’ai réalisé le montage final et le mixage son dans Final Cut, en amateur complet, et je me suis arrachés les cheveux à plus d’une reprise!

Peux tu expliquer pour ceux qui ne connaissent pas ce que sont les telenovelas ?
Les telenovelas sont des soap opéras spécifiques a la culture latino et espagnole. Ce sont des séries télé cheap et mélo a l’excès, une version Almodovar des Feux de l’amour!

Que t’as apporté ton travail chez Pixar en terme d’expérience pour la réalisation de cette vidéo ?
Le studio Pixar est un terrain d’apprentissage artistique constant pour tous les employes. Les gens parlent de cinéma et d’animation a longueur de journée, le travail des confrères est constamment partage durant les « dailies » du matin, les animatiques (storyboard anime) des films en préproduction sont projetés pour tout le studio a intervalles réguliers, c’est passionnant et très inspirant de voir l’histoire des futurs films évoluer d’une version a l’autre. Bref, « raconter une histoire » devient un peu un exercice quotidien, et après quelques années on commence a developper une intuition pour savoir ce qui marche et ce qui ne marche pas, quels gestes sont expressifs et signifiants, quelle composition d’image sert le mieux telle émotion etc.

Quels projets pour le futur ?
Pour l’instant, je veux surtout explorer l’animation de personnages dans toutes ses variations et ses subtilités. J’ai un projet de crise de voisinage entre fruits et légumes dans un frigo, mais ça devra attendre encore un peu – le scénario n’est pas encore mûr !

Je vous avait déjà proposée la bande annonce et même un début avec Ratrix Hero, mais voici enfin le moyen métrage complet (55 minutes environ) le fan film matrix réalisé par deux infographistes français, deux fans… C’est un réussite à tout point de vue… c’est à découvrir ci-dessous.

Pour en savoir plus il y a toujours le site du film

Je vous avais parlé il y a quelques temps de Kaydara, un moyen métrage hommage à Matrix par deux infographistes français…. eh bien ceux ci frappent à nouveau avec ce « Ratrix Hero », un court métrage de 6 minutes entre 3D et pate à modeler qui a nécessité pas moins de 6 mois de travail, une réussite complète en terme d’effets, d’hommage mais aussi d’humour !

Pour en savoir plus : http://www.ratrixhero.com

Un chat noir aux prises avec les difficultés de l’existence, qui cherche d’un toit ou un lit voire un peu de nourriture, parfois le monde du rêve ou dans des lieux insolites, c’est le personnage de Félix créé pour le dessin animé par Otto Messmer en 1917 par l’Australien Pat Sullivan et passé en 1923 à la bande dessinée. S’il portait la signature de Pat Sullivan, le personnage était l’idée de Otto Messmer qui revendiqua d’ailleurs la paternité du personnage au décès de Pat Sullivan… Le premier court : Feline Follies (1919) dénotait l’influence graphique et poétique de la version animée de Krazy Kat  et la série connu un succès international tout au long des années 1920. Le déclin vint avec la venue des films parlants américains, notamment Mickey Mouse,

Débrouillard, imaginatif, l’esprit vif,  larmoyant et irascible, le plus souvent agressif, le petit chat traverse les épreuves avec tenacité et illustre avec un petit côté Chaplin la misère des chômeurs, des déshérités, des oubliés de la grande croissance économique américaine des années 20. En cela le personnage de Félix est bien plus « marqué » socialement que d’autres personnages de ces débuts de l’animation. Alors qu’il connait encore un grand succès,  Félix le chat devint aussi un héros de BD dont la première parut en 1923.

Les années 1924-1925 sont les années fortes du petit héros qui s’incrit dans l’histoire de l’entre-deux guerres en portant témoignage de la situation sociale de l’Amérique à la veille de sa crise économique. Au delà d’un témoignage, la BD reste empreinte d’humour, mais aussi de poésie. Il faut attendre les années 1960 sous la direction de Joe Oriolo qui ajouta de nouveaux personnages et de nouveaux éléments, tels que le sac magique de Félix le chat (qui pouvait prendre n’importe quelle forme et se transformer en divers accessoires), ou les ennemis de Félix : le Professeur, savant fou anonyme, généralement accompagné de son complice Rocky la Brute, et un dangereux extra-terrestre nommé « le fort en thème » ou « le maître cylindre » pour revoir le Chat…

Puis en 1995, Félix le Chat revient à nouveau dans une nouvelle série d’animation scénarisée par Bob Koch: The Twisted Adventures of Felix the Cat qui renouait avec le côté onirique présent dans les animés des années 20… Peu de personnages imaginaires, non « soutenus » par une industrie (comme Disney) ont su continuer a exister jusqu’à aujourd’hui, même si la plupart d’entre nous connaissent plus le célèbre chat pour son image que pour ses histoires, il faut pour cela comprendre que celui-ci représente un mélange assez unique de tenacité et fragilité, de poésie et de réalisme social, une créature plus complexe que son nom le laisse imaginer…

Felix en 1919

Puis en 1959

Vous avez déjà croisé sur ce blog l’une des animations de cet artiste multiforme japonais Mirai Mizue, inspirées des créatures marines, de la biologie, du corps humain, de nouveaux courts metrages animés abstraits. Cette nouvelle génération de l’animation abstraite japonaise commence à s faire connaître, les films de Mizue ont été présentés dans plus de 100 festivals dans 20 pays et leur originalité ainsi que la forte « personnalité » de ses images lui apportent une réputation grandissante.

C’est l’histoire d’un projet à la fois totalement improbable et longtemps oublié :  un court métrage d’animation réalisé par Salvador Dali et Walt Disney.
A la fin des années 30, alors que Dali vient d’être exclu des surréalistes par André Breton suite à ses (trop) nombreuses provocations, il décide de partir quelques temps aux Etats Unis. S’ils se sont déjà rencontrés quelques années auparavant, il faut attendre 1945, à l’occasion d’un dîner organisé par les studios Warner, pour que Disney évoque avec Dali un court métrage qu’il veut intituler Destino, le destin tragique de Chronos, dieu grec du temps, désespérément amoureux d’une mortelle, le tout sur fond d’une ballade mexicaine. Salvador Dali est immédiatement passionné par le projet. Dali va alors produire des dizaines de croquis et d’esquisses, huit mois durant… mais ceux ci ne seront jamais utilisés, la faute a une situation économique qui s’est fortement dégradée et qui amène à l’abandon du projet. Seules 18 secondes d’animation existeront, et qui finiront dans les archives de la compagnie.

Ce n’est qu’’en 1999 que le neveu de Walt Disney exhume le projet et décide de lui donner vie en se basant sur la fameuse séquence de 18 secondes (celle des tortues, à 5’20), des story-boards laissés en friche par Dali et de cahiers personnels ainsi qu’avec l’aide de John Hench qui fut le collaborateur de Dali sur ce projet, et de…  25 experts en animation dirigé par le réalisateur français Dominique Monféry.

On retrouve es décors, familiers des oeuvres de Dali : des horloges dégoulinantes, des paysages désertiques bordés de montagnes noires, des personnages bizarroïdes…  Jamais sorti en salle, projeté qu’à de rares occasions et n’a fait l’objet d’aucune sortie DVD, sauf en bonus d’éditions collector de Fantasia 2000…

Black Widow gone wild est un court-métrage bien frappé où l’héroïne de Marvel… envoie valser une partie des super héros de comics, séries ou films américains : de batman, terminator (version T_1000) à Rambo…Une animation en stop mption de la figurine de « la Veuve Noire ». Un bon délire qu’on doit au réalisateur québecquois Patrick Boivin, que vous avez déjà croisé avec At-At qui se prend pour un chien (AT AT Afternoon).

PES n’est pas que le nom d’un distributeur de bonbons vertical des années 80, c’est est aussi le nom d’artiste de Adam Pesapane,  un réalisateur et animateur de nombreux courts métrages et publicités. Après des études de littérature anglaise à l’Université de Virginie, PSE a choisi de s’orienter vers le cinéma. Son utilisation des objets du quotidien et de l’animation stop-motion inspirée notamment de Jan Svankmajer a acquis une reconnaissance via ses courts métrages en ligne, réunis sur leur excellent site. Voici quelques uns des clips les plus connus.

Son premier film d’animation, « Sex Roof », montre deux chaises grandeur nature ayant des rapports sexuels sur un toit de New York. Bien qu’il ne dure qu’une minute, le film nécessita 20 jours de tournage. En 2002, « Roof sex » a gagné le prix du Meilleur Premier Film au festival international du film d’animation d’Annecy et fut projeté à plus de 100 festivals de cinéma à travers le monde remportant de nombreuses récompenses.

The deep le plus récent

Kaboom, l’un des plus connus…

Le célèbre « Roof Sex »

Dans le cadre du drame qui touche le Japon depuis maintenant plus d’une semaine, le gouvernement japonais a fait réaliser un petit dessin animé pour expliquer aux plus petits ce qui se passe, ce qui d’un côté est une louable initiative, de l’autre… est une lecture qui minimalise les conséquences de la crise en cours, voir peut paraître un peu dérangeant eu égard au sacrifices des « liquidateurs », ces 50 employés de la centrale nucléaire de Fukushima qui continuent a gérer dans des conditions absolument terribles (voir le blog de cet employée de la centrale qui témoigne) les réacteurs et qui subissent une radioactivité mortelle.

Sous titrée en anglais, cette vidéo présente la situation en comparaison d’autres catastrophes nucléaires du même type. Si la société TEPCO et le gouvernement japonais communiquent peu sur l’état réel de cette catastrophe, ce dessin animé quand à lui démontre qu’en s’adressant aux plus jeunes, les autorités souhaitent « rassurer » ceux ci par rapport à une angoisse ambiante que les parents seraient parfois bien en peine de leur expliquer

Glüko et Lennon, un dessin animé acidulé ou sous acide, j’ai pas totalement éclairci le truc…

Un dessin animé bien… fou mais surtout bien fait… Glüko est comme un ami imaginaire débarqué dans le monde réél,  un géant sans forme réelle , timide et paresseux. Lennon lui est un enfant ordinaire à qui il arrive des aventures extraordinaires, et tous les deux explorent leur  monde surréaliste trouvant des solutions absolument ridicules aux problèmes les plus absurdes.

C’est pas loin d’être  WTF, ça ne vous étonnera pas que j’ai aimé…

Même parmi les fans d’animation japonaise, cet oav sortit en 2008 en direct to video est passé relativement inaperçu, quand bien même il s’agissait d’une œuvre d’Otomo (en 3D, et tirée d’un manga du même Otomo, paru en 1996).
Un écolier, Ryuhei, trouve dans les affaires de son père un plan des sous-sols de Tokyo et décide de partir en exploration avec ses amis et son petit frère. Ensemble, ils vont découvrir un monde souterrain insoupçonné. Techniquement plutôt aboutit du point de vue de l’animation, il aborde via cette vision enfantine des thématiques adultes : exclusion, fanatisme, société de consommation, une vision plutôt acerbe de la société japonaise.

Un court métrage d’animation étrange, absurde et surréaliste qui emprunte à la fois à l’histoire de l’animation, au jeu vidéo… pour un univers unique et farfelu

S’il est un réalisateur d’animé qui reste encore injustement méconnu c’est bien Makoto Shinkaï… C’est aussi l’un des plus atypiques puisque c’est le seul à ma connaissance qui aie réalisé seul un film d’animation, son premier, en autodidacte… avec un résultat d’une finesse, d’une justesse de sentiments et d’une poésie rares qui ont marqué tout ceux qui l’ont vu :Hoshi no Koe (The voices of the distant star). Son style ne s’est pas démenti jusque dans ses productions plus récentes où il s’est un peu plus entouré… mais qui est Makoto Shinkaï?

Né en 1973 dans la préfecture de Nagano (à la montagne donc), il a étudié la littérature japonaise à l’Université de Chuo. mais sa créativité s’est nourrie des  mangas, anime et romans qu’il dévorait depuis le collège, dont Le Château dans le ciel de Hayao Miyazaki qui est son préféré. On a appelé Shinkai  » le nouveau Miyazaki » dans plusieurs revues même s’il refuse ce titre par humilité. C’est en 1999, qu’il réalise Kanojo to Kanojo no neko, court-métrage de cinq minutes réalisé en noir et blanc récompensé de plusieurs prix, dont le grand prix du « DoGA CG Animation contest » en 2000.

Makoto Shinkai – Kanojo To Kanojo No Neko

Suite à cette disctinction, Shinkai songe à une suite tout en continuant à travailler en tant que graphiste pour une entreprise de jeu vidéo. En juin 2000, il décide de créer une histoire autour des messages via téléphone portable (le grand début des sms) et dessine une image, celle d’une jeune fille tenant un téléphone portable dans un cockpit. C’est l’acte de naissance de Hoshi no Koe… C’est ensuite Mangazoo, qui lui propose de travailler avec lui et lui permet de transformer son idée en un projet viable. En mai 2001, il quitte son emploi et commence à travailler sur ce premier film qui lui prendra 7 mois.

Suite au succès de ce premier film, il réalise ensuite « La Tour au-delà des nuages », sorti le 20 novembre 2004 dans tout le japon, acclamé par la critique et récompensé par de nombreux prix.

Si la poésie, parfois la tristesse sont la marque de fabrique de ce réalisateur, il ne dédaigne pas l’humour, en témoigne ce très court métrage sur les chats

Ani-kuri15 Makoto Shinkai

Son dernier film en date s’appelle Byousoku 5 Centimeter /5cm par seconde, 5 cm par seconde étant la vitesse à laquelle chutent les fleurs de cerisiers. Le film raconte l’histoire de Takaki et Akari, deux enfants qui se sont connus alors qu’ils n’étaient pas plus hauts que 3 pommes et qu’une grande amitié a unis, et en grandissant, la plupart de leurs camarades de classe les taquinant, pensant que leur relation relevait plus de l’amour que de l’amitié. Malheureusement, Akari est contrainte de quitter la ville pour suivre ses parents, et devra donc être transférée dans une autre école. C’est le cœur lourd que les 2 amis se séparent, se promettant de s’écrire des lettres et de se revoir un jour.
Le films se découpe en 3 parties / 3 temps qui vont nous raconter l’histoire de ces deux personnages.
Comme d’habitude avec ce réalisateur, les images sont d’une grande beauté. Chaque plan est magnifié avec cruauté tant la réalité est dure en comparaison, chaque lumière statique ou mouvante, artificielle, solaire ou lunaire, portent encore un peu plus les sentiments des personnages et de l’histoire.

De par sa sensibilité, la magnificence de ses lumières, de ses décors, de ses images, ont comprend mieux la « filiation » que les critiques d’animé on trouvée entre Myazaki et Shinkaï, car ces deux grands réalisateurs savent au delà de raconter de belles et fortes histoires, donner à leurs images, un souffle, une beauté, une profondeur qui les hissent parmi les plus grands réalisateurs de notre temps.

Voici enfin le prochain film (sortie prévue en 2011) : Children who Chase Lost Voices from Deep Below

Ils sont à la fois très différents et tous très orginaux… Qu’il s’agisse d’une utilisation intensive d’after effects (distant relatives) de marionnettes (Dirty Night Clowns) ou de dessins au crayon (Nothing to fear) chacun d’entre eux possède sa propre poésie, et démontre la vitalité créative du clip vidéo a l’opposé des daubes télévisées que l’on nous sert le plus souvent.

Un clip façon film d’horreur pour enfants à base de marionnettes dans de magnifiques décors, une splendide Réalisation de  Ryan Gibeau pour le titre Dirty Night Clowns de Chris Garneau.

Particulièrement doué pour le compositing Nabil, est le réalisateur de ce nouveau clip vidéo du groupe Distant Relatives : (album studio de Nas et Damian Marley) :

Impressionnant de par le travail qu’il sous entend, ce film d’animation en noir et blanc réalisé par le graphiste freelance londonien Simon Russell a été entièrement réalisé au stylo et au crayon, grâce à Photoshop et After Effects. La bande son est d’Ólafur Arnalds et de Ben Ash de Candle Studios. L’émotion est à la hauteur du talent de cet artiste…

Ce court métrage d’animation absolument splendide,  à la croisée des univers sombre du Steampunk et de Sin City a été  réalisé par Christopher Alender pour Lovett. A découvrir absolument

Si vous êtes fan de cinéma de science fiction ou tout simplement si vous avez vus dans les années 60-80 des films tels que le choc des titans ou les voyages de Simbad, vous êtes probablement tombés sous le charme des effets spéciaux de ces films, oeuvres de Ray Harryhausen, généralement considéré comme le grand maître, voire le père, de l’animation en volume en raison de sa contribution dans le domaine du trucage au cinéma.

C’est la « première » de King Kong dont les trucages sont réalisés par Willis O’Brien qui scelle la vocation du jeune Ray Harryhausen âgé alors de treize ans qui développe déjà ses premiers projets personnels (Cave Bear et Evolution of the World), notamment la reconstitution d’animaux préhistoriques. Par un heureux hasard il rencontre Willis O’Brien à qui il présente ses pates à modeler (celui étant considéré comme le père de l’intégration d’animation en volume avec des prises de vues réelles) qui l’encourage. Il va donc poursuivre des études en arts dramatiques, photographie et sculpture, puis étudiera la réalisation artistique et le film. C’est à cette époque qu’il se lie d’amitié avec l’écrivain SF Ray Bradbury.

En 1941, il montre ses travaux à George Pal, l’animateur, qui l’engage comme assistant sur la série des Puppetoons. Il réalise, en 1945, des épisodes pour une série de contes de fées, Mother Goose Stories, qui trouveront un débouché dans les milieux scolaires et éducatifs. Il sera aidé de sa mère pour les costumes et de son père pour la fabrication des accessoires et des armatures.

En 1947, Willis O’Brien l’engage pour être l’un de ses deux assistants sur le tournage de Monsieur Joe et lui laisse l’essentiel de l’animation du gorille. La qualité de l’animation mai aussi de l’intégration marquent le début des d’une reconnaissance de Ray Harryhausen mais il faut attendre 1953 pour qu’il signe les effets spéciaux du Monstre des temps perdus (The Beast from 20,000 Fathoms) d’Eugène Lourié. Harryhausen y poursuit son travail d’intégration d’animation image par image avec des plans d’acteurs dans des décors réels. Ce film constitue son premier succès personnel.

L’autre grand tournant à lieu en 1955, Harryhausen rencontre Charles H. Schneer avec qui il va travailler pendant plus de 25 ans, Schneer à la production, Ray au scénario et aux aspects techniques. Douze des quinze films que Ray va signer seront produits par Schneer avec quelquefois Harryhausen comme co-producteur.

Le Monstre vient de la mer (It Came from Beneath the Sea) est un coup d’essai pour lequel Schneer espère profiter visiblement du succès du Monstre des temps perdus, le film développant une thématique très similaire. Le second, Les Soucoupes volantes attaquent (Earth vs. the Flying Saucers), réalisé par Fred F. Sears en 1956, donne à Ray l’occasion d’élargir sensiblement l’étendue de son travail qui va dès lors au delà de la simple animation de modèle pour englober l’ensemble des trucages optiques possibles (illustration des champs de force, lasers, scène de destruction massive).

C’est surtout avec « Le Septième Voyage de Sinbad », premier film de la trilogie Sinbad, qu’il peut enfin donner libre cours à son imagination. Premier film en couleur pour et la musique du grand Bernard Herrmann (le compositeur attitré d’Alfred Hitchcock) pour lequel il a amélioré ses techniques d’animation et d’incrustation des miniatures avec des prises de vue en action réelle, procédés auxquels il conviendra désormais d’attribuer des noms toujours plus ‘fantastiques’ (dynamation, superdynamation…).
Suivent « Les Premiers hommes dans la lune » (1964), « La Vallée de Gwangi » (1969), les deux derniers films de la trilogie Sinbad (Le Voyage fantastique de Sinbad en 1973 et Sinbad et l’œil du tigre en 1977)… Le Choc des Titans (1981) s’il est un grand succès sera la dernière tentative de Ray pour perpétuer un style qui est en perte de vitesse… genre que l’on considère alors moribond. Il partira donc sur un grand succès, mais il sait que le « style » est fini.

Au delà de son apport aux techniques de l’animation et à leur intégration dans des séquences de prise de vue réelles sont oeuvre et le succès de celle ci ne peut vent se comprendre que par son implication tout au long du processus : de la conception sur papier aux premiers modèles réels sculptés jusqu’à la localisation des extérieurs et la supervision des prises de vue avec les acteurs, il s’occupe de tout, même des lumières pour combiner de façon crédible l’ensemble des éléments et le montage des séquences elle-même.

La Dynanimation
Le style Ray Harryhausenau dans les trucages cinéma c’est une nouvelle technique de combinaison des prises de vue réelle et de miniatures, technique dont il aura un usage presque exclusif au cinéma et qu’il ne cessera d’affiner. Le principe est de renforcer l’effet d’intégration en distribuant des éléments de la prise de vue réelle en avant et en arrière-plan de celui de l’objet animé. Soit en plus clair, donner la possibilité à l’animateur de faire passer l’élément animé devant ou derrière des éléments choisis de la prise de vue réelle.

La technique traditionnelle utilisée jusqu’alors se « résumait à » filmer la miniature devant une rétro-projection de la prise de vue réelle (la marionnette est photographiée devant un écran semi opaque sur lequel est projetée en synchro (image par image), par l’arrière, la prise de vue réelle). Cette technique poussait naturellement la miniature en premier plan. Pour atténuer cet effet, les techniques employées étaient alors soit l’ajout de miniatures complétant ou reproduisant l’arrière plan (ex: des arbres miniatures devant un arrière plan de forêt derrière lequel le personnage animé peut alors passer), soit l’emploi d’un cache sous la forme d’une peinture sur verre en premier plan (matte painting). Ce sont les techniques employées dans le premier King Kong.

L’idée de Ray fut de simplifier la prise de vue et de minimiser le coût en exploitant en substitution à ces deux techniques précédentes l’ancestrale technique de la double exposition avec cache (déjà utilisée par Méliès!). Le film est exposé deux fois, les portions de l’image déjà exposées étant masquées par un cache noir placé entre le sujet et l’objectif. Ce qui donne dans la pratique pour la dynamation, l’exécution de l’animation devant la rétro-projection avec un cache masquant toutes les portions de la prise de vue réelle que l’on désire ramener en premier plan. Puis, une seconde exposition du film obtenu devant la rétro-projection seule avec cette fois-ci pour cache le complémentaire du cache précédent afin d’imprimer sur la pellicule le premier plan sur les portions encore non exposées de celle-ci.

source wikipedia

Si le Choc des titans fut le dernier film de Ray Harryhausen, l’animation image par image pure perdure via le travail de fond des studios Will Winton (US) et Aardman Animation (Wallace & Gromit, Shaun le mouton) et plus récement ‘Étrange Noël de Monsieur Jack de Henry Selick.